GUIDÁCTICA; Un Momento, seis Paisajes

Guitar Concertos... Kazuhito Yamashita

2011-11-16T18:24:00.011-05:00

Datos biográficos, Cortesía de Wikipedia

Mauro Giuliani (Bisceglie, 27 de julio de 1781 – Nápoles, 8 de mayo de 1829) fue un compositor y guitarrista italiano. Estudió violín, violonchelo y guitarra y con sólo 25 años se convirtió en una celebridad. En 1815 se desplazó a Viena, dónde junto a los pianistas Johann Nepomuk Hummel e Ignaz Moscheles, el violinista Joseph Mayseder y el violonchelista Joseph Merk, dio una serie de conciertos en los jardines del Palacio de Schönbrunn. Ese mismo año era el artista oficial de las celebraciones del congreso en Viena. Desarrolló una reputación de pedagogo, y entre sus numerosos alumnos se encontraban Jan Nepomucen Bobrowicz y Felix Horetzky. En 1819 volvió de nuevo a Italia, estableciéndose sucesivamente enVenecia, Roma y finalmente en Nápoles. En 1828 su salud comenzó a deteriorarse y murió en ésta ciudad en 1829. Giuliani compuso 150 obras para guitarra, destacando los conciertos para guitarra y orquesta, opus 30, 36 y 70; las Rossinianas, opus 119-124 y varias sonatas para violín y guitarra.

Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741), más conocido como Antonio Vivaldi, fue un compositor y músico del Barroco tardío. Se trata de una de las figuras más relevantes de la historia de la música. Su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su época. Era apodado il prete rosso ("el cura rojo") por ser sacerdote (católico) y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido, a nivel popular, por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, que forma parte del ciclo de su opus 8 "Il cimento dell'armonia e dell'inventione", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del Concerto Soli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el Concerto Soli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de laarmonía. Sin embargo, Las cuatro estaciones son unos conciertos para violín en el que la orquesta no actúa como mero fondo de acompañamiento, sino como un relieve: no se limita a acompañar al solista, sino que ayuda al desarrollo de la obra. Esto influirá posteriormente en los conciertos de Händel y, sobre todo, de Bach, ya que éste estudiaría asiduamente los conciertos de Vivaldi, y sería a partir de las innovaciones originales de Vivaldi que Bach perfeccionaría el concepto de concierto. De esta manera, con la forma musical de los Concerto Soli se lograría definir de manera definitiva lo que podría llamarse el concierto para instrumento solista moderno, estableciéndose un equilibrio perfecto entre solista y orquesta, sin que el concierto llegue al extremo de tener que ser considerado un Concerto Grosso, en el se establece un diálogo entre orquesta y solistas de manera que los papeles de solista y acompañante se intercambian entre un pequeño grupo de instrumentos (el concertino, a veces un único instrumento) que actúa usualmente de solista, y la orquesta (el ripieno). Llegar a este punto, sin embargo, fue un proceso que condujo de Arcangello Corelli y Giuseppe Torelli a los ciclos donde podría decirse Vivaldi experimenta con este género instrumental. Cabe destacar por ejemplo el ciclo del Opus 3, donde se percibe un gran dominio en su concepto de concerto grosso y concerto con soli, donde los más conocidos son el Opus 3 N6 en la menor y el Opus3 N11 en re menor, donde se presenta un maravilloso ejemplo de fuga a cuatro voces (2 violines, viola, violonchelo y continuo). Así, Las cuatro estaciones representan el Concerto Soli perfecto, a tal grado que influye notablemente la música de Johann Sebastian Bach, y ésta inexorablemente en Haydn; y Haydn, a su vez, al convertirse en maestro de, entre otros, Beethoven, extiende la influencia de Vivaldi a más músicos sin que, probablemente, hubieran conocido la obra de Vivaldi.

Ferdinando Carulli (Nápoles, Italia, 9 de febrero de 1770 — París, Francia, 17 de febrero de 1841), fue un compositor y guitarrista italiano, considerado como uno de los mejores profesores de la historia de la guitarra. Muchas de sus más de cuatrocientas piezas se utilizan como métodos de aprendizaje y perfeccionamiento de las técnicas para manejar este instrumento. leo Maria Meinrado Francesco Pascale Rosario Carulli nació en Nápoles en 1770, en el seno de una familia acomodada. Como muchos jóvenes de la época aprendió la teoría musical con un sacerdote músico aficionado, siendo su primer instrumento el violonchelo. Pero cuando a la edad de 20 años descubrió la guitarra, abandonó el violonchelo y se dedicó por entero a dicho instrumento. Por aquel entonces no existían auténticos profesores de guitarra en Nápoles, lo que le obligó a desarrollar su propio estilo y técnica. Con posterioridad él mismo publicaría su método, que ha permanecido hasta la actualidad como material didáctico de referencia para la guitarra. Sus conciertos en Nápoles le dieron la suficiente popularidad para empezar las giras por el resto de Europa. Sobre 1801 Carulli se casó con la francesa Marie-Josephine Boyer, con quien tuvo su hijo Gustavo. Luego se trasladó a Milán, donde publicó algunas de sus obras. Su enorme popularidad hizo que en 1808 se trasladara a París, donde permanecería el resto de sus días componiendo y ejerciendo el profesorado de guitarra. Falleció en esa ciudad el 17 de febrero de 1841.

GUITAR CONCERTOS... KAZUHITO YAMASHITA

Giuliani, Vivaldi, Carulli

Camber Orchestra of Leos Janacek

Giuliani - Concerto for Guitar and Strings in A, Op 30

1. Allegro maestoso

2. Andante siciliano

3. Alla polacca

Vivaldi - Concerto for Guitar and Continuo in D, RV 93

4. allegro giusto

5. Largo

6. Allegro

Carulli - Concerto for Guitar, strings and 2 Horns in A, Op.140

7. Allegro

8. Polonaise

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Aporte, Aporte, Maurizio Colnaghi, Lecco - Italy

VIVALDI, THE FOUR SEASONS… Kazuhito Yamashita

2011-01-03T11:58:00.002-05:00

LAS CUATRO ESTACIONES
Estilo de la obra
Antonio Vivaldi vivió los años de transición del siglo XVII al siglo XVIII, es decir, el final del llamado periodo barroco de la música. En ese momento el legado histórico de la música europea era trascendental, pues había emergido de las primitivas formas del Medievo a la ejecución de varias melodías al mismo tiempo en la polifonía, estilo que diferenciaría a la música occidental de la del resto del mundo. Este género musical se desarrolló tanto en el ámbito religioso como en el profano. En la música, el primer paso para encontrar elementos contrastantes consistió en separar la música en tres diferentes episodios, dotados cada uno de velocidad y ritmo diferentes; rápido-lento-rápido, secuencia característica de la sonata da camera, o de la sonata da chiesa, cuando el primer movimiento de ésta tenía un carácter lento o grave. Otra forma de lograr el contraste fue la de tocar un tema en su primera aparición dentro de una dinámica fuerte y luego repetir el mismo ahora de forma suave como un eco. Este efecto también se lograría utilizando el recurso de la acumulación de instrumentos, separando dentro de la orquesta de cámara a un pequeño grupo instrumental (concertino) del resto de la orquesta (ripieno o tutti), interviniendo primero toda la orquesta y luego solamente el concertino, logrando así el efecto sonoro contrastante. En consecuencia, se originaba la forma musical conocida como concerto grosso, que a su vez originaría la forma conocida simplemente como concierto, en donde el solista demuestra sus habilidades técnicas, enfrentando con su instrumento a toda la masa orquestal. En el concierto barroco son marcados los contrastes: en tempo (velocidad), la exposición temática en forma de eco y la lograda por la oposición de un instrumento en contra de toda una orquesta. Este reciente estilo musical tendría que adherirse a uno de los conceptos de la estética aristotélica que dominaba en la época; la imitación de la naturaleza.

Antonio Vivaldi escribió cerca de 500 conciertos para diversos instrumentos, 220 de ellos dedicados al violín, instrumento del cual Antonio era un virtuoso. Cuatro de estos conciertos, pertenecientes a Il cimento dell´armonia e dell´invenzione y reunidos en el Op. 8 (1725) escritos para violín solista, orquesta de cuerdas y clavecín, son los que se conocen con el nombre de Las cuatro estaciones. En estos cuatro conciertos se encuentran ejemplificadas todas las características anteriormente descritas del concierto barroco. Se trata de obras musicales únicamente para ser escuchadas; bien definidos los contrastes de tiempo, pues cada concierto está dividido en tres partes: tempo rápido-lento-rápido; el elemento dinámico contrastante está cubierto por el efecto del eco; se tiene a un virtuoso solista que, acompañado solamente por el [[basso continuo]], enfrenta a toda la orquesta y, por último, se cumple con la justificación artística de imitación de la naturaleza, buen pretexto para escribir una obra maestra.

PRIMAVERA (Concierto nº 1 en mi mayor, RV. 269)
La primavera es uno de los conciertos para violín que forman parte del II cimento dell´armonía e dell´invenzione (Ensayo de la armonía y la invención). Esta obra, publicada en 1726, está dividida en dos libros, cada uno de ellos con seis conciertos. Vivaldi introdujo en la partitura explicaciones escritas de aquello que describe mediante la música: "el canto de los pájaros, los truenos..." Esta obra está compuesta para violín solista y orquesta barroca de cuerda: violines, violas y lo que llamamos el bajo continuo (línea de bajo que se extiende a lo largo de toda la pieza), formado por violonchelos, contrabajos y clavicémbalo. A pesar de que temporalmente se sitúa la obra en el barroco, la técnica y complejidad de la misma, así como la actitud de la música sitúan la obra en la corriente neoclásica. Consta de tres movimientos: 1.º: Allegro, 2º.: Largo, 3.º: Allegro. Uno de los recursos compositivos de Vivaldi es la repetición de un estribillo, llamado ritornello. A continuación se presentan los tres movimientos de "La primavera".

Allegro
Con un sonriente tema de tres compases, la orquesta anuncia la llegada de la primavera. Eco de este tema. Aparición del solista acompañado por un par de violines que imitan el canto de los pájaros. Luego, ondulantes figuras de dobles corcheas describen el agua brotando libremente de una fuente. Súbita aparición del solista sugiriendo una tormenta, nuevas exposiciones del tema con eco y fin del movimiento.
Largo
Sobre el verde campo y a la sombra de un frondoso árbol un pastor de cabras duerme una placentera siesta y, cerca de él, su perro ladra. En este movimiento la formula rítmica está a cargo de los violines, el ladrido del perro es remedado por la viola con dos notas repetidas: do-do….sol-sol. Ausencia de voces graves.
Allegro (Danza pastoril)
En el campo y bajo el cielo azul pastores y ninfas danzan gozosos por la llegada de la primavera. Musicalmente la escena se desarrolla sobre un compás de 12/8, con figuras rítmicas iguales para todas las cuerdas.

VERANO (Concierto nº 2 en sol menor, RV. 315)

Allegro non molto
Una lenta introducción describe el intenso calor del verano, de nuevo oímos el canto de las aves en el súbito allegro, el cú-cú en figuras de dobles corcheas por el violín solista; después, la tórtola y el jilguero, cuyos cantos son arrebatados por un fuerte viento y el llanto del pastor por miedo a la tormenta. Con huracanados vientos descritos por dobles corcheas en toda la cuerda finaliza el movimiento.
Adagio-Presto-Adagio
El temor del pastor aún no se disipa, el solo de violín es interrumpido por los truenos que anuncian la tormenta.
Presto
Gran cantidad de insectos voladores revolotean huyendo de la tormenta, los rayos iluminan el cielo ambiente pleno de tempestad, descripción llena de virtuosismo por el solista.

OTOÑO (Concierto nº 3 en fa mayor, RV. 293)

Allegro
Los alegres campesinos celebran con danzas y cantos la recolección de la cosecha; musicalmente, la danza está escrita en un compás de 4/4, en donde las figuras rítmicas son iguales tanto para el solista como para toda la orquesta; el cambio rítmico del solista en arpegios de dobles corcheas describe a un borrachín que, después de varias travesuras, al fin se queda dormido. ¡¡
Adagio molto
Los demás campesinos no dejan solo a este borrachín y lo acompañan en su embriaguez hasta que el vino y el sueño los vence.
Allegro
Llenos de gran entusiasmo y acompañados por los ladridos de sus perros y el sonar de sus cornos, los cazadores se dirigen al bosque.

INVIERNO (Concierto nº 4 en fa menor, RV. 297)

Allegro non molto
Este movimiento describe ingeniosamente los efectos del frío, el castañeo de los dientes y el temblor del cuerpo. De nuevo aparece la tempestad; para mitigar un poco el frío, los campesinos corren y patalean.
Largo
Con una placentera y larga melodía del violín solista, evoca una tarde de lluvia disfrutando de ésta al abrigo de la casa y al calor del fuego de la chimenea.
Allegro
El movimiento en su inicio hace referencia al caminar lentamente sobre el hielo por miedo a caerse, el hielo comienza a agrietarse y todos ahora corren a refugiarse dentro de la casa; por las hendiduras de la puerta y de las ventanas se filtra el fuerte viento; pese a todo, el invierno nos deja grandes alegrías. Tomado de wikipedia.org

VIVALDI, THE FOUR SEASONS

Guitarra: Kazuhito Yamashita

Guitarra Ovation: Larry Coryell
1. Concerto No. 1 "Spring"

2. Concerto No. 2 "Summer"

3. Concerto No. 3 "Autumn"

4. Concerto No.4 "Winter"
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Aporte, Maurizio Colnaghi, Lecco - Italy

BACH FOR ACOUSTIC GUITAR… Ben Bolt

2011-01-03T11:56:00.001-05:00

Biografía, Cortesía de benboltguitar.com

Armado con una guitarra clásica contrachapada que su hermano le había dado, un diccionario español/inglés y un sueño; Ben Bolt pone su mirada en España cuando tenía diecisiete años. Su objetivo era estudiar con 'el Padre de la Guitarra Clásica', Andrés Segovia. En el año 1971. Esto le tomaría a este muchacho casi tres años para convertir su visión en realidad. Primero, tendría que trabajar mucho con su primer profesor en España, José Luis Rodrigo. A sus dieciocho años registrándose en la Embajada de los Estados Unidos en Madrid, su destino mágicamente apareció, a sólo dos metros de distancia estaba el maestro Andrés Segovia, quien esperaba para firmar sus papeles de visado para viajar a América en su famoso viaje anual. Después de que Ben se introdujo, Segovia le ayudó a este joven hombre impartiéndole lecciones con uno de sus ayudantes, el maestro José Tomas.

Todo el sacrificio de Ben sería recompensado pronto en Madrid en el verano 1973, donde estudiaría con el maestro Andrés Segovia, quien de su propio bolsillo, dejó una beca completa para que Ben continuará sus estudios de música en España. “Limpieza, con un sonido para ser admirado”' diría Andrés Segovia. En la primavera de 1974 Ben emprende un viaje a París para encontrarse con Abel Carlevaro. Cuando el tren se dirigía hacia París, por los picos cubiertos de nieve en los Grandes Pirineos, Ben recuerda aquella noche: 'Esto era una luna llena y muy frío.' Impresionado por el entusiasmo de Ben, Carlevaro le invitó a estudiar con él bajo una beca completa en las Clases que el maestro impartía anualmente en Porto Allegre Brasil. ¡'La trayectoria de Ben era vertical y continuaba en ascenso'; En su momento Abel Carlevaro decidió regresar a Montevideo-Uruguay su nueva casa. A razón de ello completó sus estudios de música bajo la dirección de maestro Guido Santorsola en la Escuela de normal Musica.

Ben plays with an elegance and emotional commitment that is rare these days.
He exudes an Old-World grace, and his playing displays a deep love of the
instrument and its traditions.
-William Kanengiser, Grammy award winning founding member, Los Angeles Guitar Quartet

Ben Bolt's performance at the Tennessee Guitar Festival was excellent! His beautiful sound and old world interpretation of Malats, Torroba, and Santorsola was moving and poetic.
-Dr. William Yelverton, Professor of Guitar, Middle Tennessee State University

Ben Bolt had me on the edge of tears 2 or 3 times, very moving!
-Jack Pearson, former Allman Brothers guitarist

The Concierto de Aranjuez performed by Ben Bolt and the Oak Ridge Symphony was magnificent, powerful and moving!
-Harold Naggie, Professor of Guitar

BACH FOR ACOUSTIC GUITAR
Guitarra: Ben Bolt

1.Sleeper Awake (fron Cantata No. 140)
2.Gavotte
3.Prelude (from 3ª Cello Suite)
4.Courante (from 3ª Cello Suite)
5.Corrente (from 1ª Violin Partita)
6.Bourrée (from 1ª Violin Partita)
7.Prelude in D (fron 1ª Cello Suite)
8.Gigue (from 1ª Cello Suite)
9.Sarabanda (from 2ª Lute Suite)
10.Gigue (from 2ª Lute Suite)
11.Courante (from 1ª Lute Suite)
12.Fugue

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Aporte, Tommy O'Meany Rojas, Managua - Nicaragua

PLAY CLASSICAL GUITAR… David Braid

2011-01-03T11:55:00.004-05:00

Datos biográficos, Cortesía de davidbraid.net/

David Braid es uno de los compositores que figuró en la reducida lista del SPNM 2001-2004 gracias a su trabajo para orquesta "Cause and Reaction". Su primer trabajo discográfico un ajuste del poema 'Mañana' ('Morning') de Pablo Neruda con el soprano Grace Davidson y el Cuarteto de cuerdas The Tippett Quartet, actualmente disponible en la web del compositor: www.davidbraid.net. En el año 2007 terminó su obra para Cello solo "Melodía”, escrita especialmente para una versión más del BBC Young Musician of the Year. Otros trabajos recientes incluyen 'One year Lighter' con versión en Inglés y Polaco, que incluye cinco poemas del poeta polaco Ewa Sonnenberg (www.sonnenberg.pl/) para soprano y Guitarra.

El libro y disco "Play Classical Guitar" fue publicado en el Reino Unido y USA en el año 2001 por Backbeat Books. El libro incorporó su segunda edición (en español) en el año 2005 y se estima una versión más en francés. Este trabajo revela la riqueza de unos de los mejores instrumentos de cuerda pulsada como es la Guitarra, contando con más de 90 ejercicios que aclararan conceptos y el buen manejo de la técnica, además de transcripciones de un repertorio esencial para la guitarra. Este trabajo muy completo es un material muy bien ilustrado pensado para principiantes como para intérpretes avanzados, incluye lectura musical, teoría, términos musicales, memorización, acordes, arpegios, técnicas avanzadas, musicalidad en general e improvisación, un panorama histórico de la guitarra clásica y un CD complementario que le permite a los intérpretes conocer exactamente cómo deben ser ejecutados cada uno de los ejercicios propuestos.

PLAY CLASSICAL GUITAR por David Braid
Libro y disco

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Aporte, Germán Darío Avendaño, Bogotá - Colombia

PLAYS 19th CENTURY MUSIC… David Russell

2011-01-03T09:40:00.006-05:00

Información, Cortesía de David González

DIONISIO AGUADO, análisis del Andante del Rondó brillante nº 3 en La menor

Desde que toco esta pieza de Aguado me ha llamado la atención el equilibrio formal y la elegancia con la que fluye, hasta el punto de que, a veces, he pensado que supera en calidad musical al propio rondó que la sigue.El comienzo propone una frase tipo antecedente-consecuente algo inusual pues el consecuente tiene 5 compases, lo que le otorga una apariencia improvisatoria, una intención de ponernos en situación y de establecer la tonalidad principal. En la siguiente idea se activa un motor de corcheas, la melodía pasa al registro grave y los fragmentos se acortan a tres compases. Este pasaje nos conduce a Do Mayor y ya no percibimos ese aire improvisado de la primera frase, ya empieza a tener dirección.

La tercera idea está compuesta por fragmentos de 1 compás y el ritmo incrementa su actividad notablemente con las semicorcheas consecutivas. Este pasaje es el que más me intriga puesto que podría no aparecer y aún así estaría logrando el objetivo de moverse hacia el Do Mayor del compás 25. Prueba a tocarlo eliminando los compases 22 al 24, es decir, saltando del 21 directamente al 25. Ahora bien, formalmente lo que sí que aporta es una "disolución rítmica" del comportamiento anterior, estos tres compases son los que tienen mayor variedad de figuraciones rítmicas mezcladas, lo que favorece y hace desear la vuelta a la regularidad que ocurre en el compás 25. Ahora vuelve el motor de corcheas, esta vez arpegiado y con fragmentos fraseológicos de dos compases, (menor longitud que la vez anterior en que aparece el motor de corcheas). Nos va precipitando a la conclusión, en los compases 28 y 29 se acortan los fragmentos a un compás. Mantiene la extensión de 1 compás en las propuestas que siguen pero esta vez paralizando la melodía en Do-Si-La y armonizándola de formas distintas. Esta idea la recupera en el Rondó, en los compases 192-196. La última idea que propone ya sólo ocupa dos pulsos, medio compás, e incorpora una pedal de dominante, además de recuperar la idea del principio en la que presentaba la idea en agudos y después en graves.

CONCLUSIONES

Lo más llamativo (y efectivo)formalmente es cómo va acortándose la extensión de los fragmentos que aparecen, creando así una necesidad de llegada y una progresiva y sutil sensación de acumulación de eventos, de condensación si lo prefieres. El momento de disolución interior de los compases 22 al 24, es más agitado que el final, del 33 al 37 donde un mismo motivo unifica todo el fragmento fraseológico junto con el estatismo que aporta la nota pedal. Tomado de http://daguit2003.blogspot.com/

PLAYS 19th CENTURY MUSIC
Guitarra: David Russell

1. Andante y Rondo, D. Aguado
2. Introducción y Polonesa, N. Coste
3. Elegie, K. Mertz
4. Fantasia, J. Broca
5. Fantasie Hongroise, K. Mertz
6. Leyenda, G. Manjon
7. Aire vasco, G. Manjon
8. Reverie, G. Regondi

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Aporte, Alexis Álvarez Jácome, Veraruz - México

INTIMATE BARRIOS… Berta Rojas

2009-12-06T23:40:00.011-05:00

Biografía, cortesía de Bertarojas.com

Berta Rojas, es una guitarrista clásica (*23 de septiembre de 1966 Asunción del Paraguay). Es una artista cuya versatilidad le permite moverse con comodidad tanto en la música clásica como en cualquier otro estilo musical que se proponga. Elogiada por el Washington Post como..."Guitarrista Extraordinaria"..., es considerada actualmente por su extraordinario talento, como una de las mejores guitarristas de su generación, y la más capacitada técnicamente para interpretar las obras del genial compositor, el también Paraguayo Agustín Barrios Como solista, ha cautivado a los amantes de la música en toda América, Europa y Asia.

Presentaciones
Weill Recital Hall del Carnegie Hall
Frederick P. Rose Hall, del prestigioso Jazz at Lincoln Center en New York.
John F. Kennedy Center de Washington DC
South Bank Centre, Londres.

En los años 1995 y 2005 le cupo el honor de ser artista invitada para la ceremonia inaugural de las Cumbres de Primeras Damas en Paraguay, la primera de ellas con la presencia de la entonces, 1ª Dama de Estados Unidos, hoy Senadora Hillary Rodham Clinton. Elogiada por el Washington Post como "guitarrista extraordinaria," su musicalidad y carisma, la hizo favorita del renombrado "John Marlow Guitar Series" en Washington DC. El Kennedy Center ha reconocido la excelencia artística de Berta Rojas seleccionándola como "Fellow de las Américas". Este premio, así como el otorgado por la Organización de Estados Americanos, le ha permitido obtener la "Maestría en Música" en el prestigioso "Peabody Conservatory", institución que la ha distinguido con dos importantes reconocimientos, el "Zaidee Thomas Award" y el "Harold Randolph Prize". Además de su talento musical, ocupa un rol importante como promotora del arte de otros artistas sudamericanos, especialmente de su tierra natal, Paraguay. Ha producido una serie de conciertos en los Estados Unidos de América, país donde reside, introduciendo en ellos la música folclórica de artistas de América Latina. Ha sido además, Directora Artística de diversas competencias como el "Festival Internacional de Guitarra Agustín Barrios", el "Premio Ciudad de Asunción" y en el presente, el "Premio Cardozo Ocampo" Junto con el gran guitarrista John Williams ha sido reconocida por la prestigiosa Gramophone Magazine, por la grabación uno de los mejores álbumes de Guitarra Clásica, "Intimate Barrios" - 1998/ Dorian Recordings. También ha sido tapa de la Classical Guitar Magazine, y está reconocida por sus excelentes interpretaciones de musicas latinoamericanas. Es profesora de guitarra de la Universidad George Washington en Washington, DC.

INTIMATE BARRIOS

Guitarra: Berta Rojas

1. Maxixa

2. Jha che Valle

3. Ca'azapá

4. Un Sueño en la floresta

5. País de abanico

6. Villancico de Navidad

7. Vals nº 4

8. Allegro sinfónico

9. Julia florida
La catedral

10. Preludio Saudade

11. Andante Religioso

12. Allegro Solemne
13. Aconquija

14. Vals Op. 8 No 3

15. Preludio en do menor

16. Madrigal

17. Choro da saudade

18. London Carapé

19. Danza paraguaya
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Aporte, Leandro Rodríguez, Bogotá - Colombia

GUITAR RECITAL... Steve Kostelnik

2009-08-10T09:03:00.007-05:00

Biografía cortesía de stevekostelnik.com

Steve Kostelnik, es un elogiado guitarrrista por la Soundboard magazine por su lírico sonido y su notable contrapunto, Steve Kostelnik es artista, intérprete y maestro muy cotizado. Kostelnik ha ganado los mas altos honores en varios festivales y concursos, incluyendo the Naxos prize at the 1996 Guitar Foundation of America International Guitar Competition, Primer premio en 1995 en la Music Teachers National Association Wurlitzer Collegiate Artist Competition, y el primer premio en 1990 en el Southwest Festival Guitar Competition. Dr. Kostelnik es Licenciado en Música de la Southwest Texas State University y con grado de Maestro en Música y Doctor de Artes Musicales de la University of Texas at Austin. Dr. Kostelnik es profesor asistente de guitarra en la Southwestern University in Georgetown Texas.

GUITAR RECITAL, Winner, 1996 GFA Competition
Steve Kostelnik

1. Mounsiers Almaine Op. 40
2. Largo, Sonata for Keyboard in Dm
3. Allegro, Sonata for Keyboard in A
4. Larghetto, Sonata for Keyboard in B
5. Flute Sonata No. 5 In Em
6. Morceaux (3) for guitar
7. Prelude for guitar Op. 5 No. 1
8. Choro da Saudade
9. La Petenera for guitar
10. Zapateado for guitar
11. Habanera
12. Campanas del Alba
13. Danza Dominicana
14. Danza Cubana
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Aporte, Leandro Rodríguez, Bogotá - Colombia

THE GREAT GUITAR CONCERTS... John Williams

2009-08-08T22:40:00.007-05:00

Artículo, cortesía de wikipedia.org

Un concierto de música es la puesta en escena de una obra musical en directo. Los conciertos de música se dan en cualquier género musical variando mucho la actitud del espectador según dicho género, el estilo musical y el lugar del acto. En ocasiones en los conciertos de música se produce un tipo de engaño hacia el público conocido como playback. En el playback, la orquesta simula ejecutar la obra pero en realidad el sonido es una grabación prefabricada y la banda no toca ni una sola nota. También existen orquestas que optan por soluciones intermedias, con partes tocadas por los músicos y partes añadidas por sistema MIDI o audio.

Historia
El concierto es una forma musical usada aproximadamente desde el año 1600, durante el barroco. En el periodo clásico y romántico usualmente uno de sus movimientos adopta la forma sonata. En el periodo clásico comienza a estar compuesta para un instrumento solista y orquesta, situación que se mantiene en el período neoromántico. En los conciertos suele haber un instrumento solista y una orquesta. Existe un momento, llamado cadenza o cadencia, al final de algunos movimientos, donde el solista toca sin acompañamiento, exponiendo su técnica. En los periodos Clásico y romántico, esta parte frecuentemente no era escrita en la partitura, siendo improvisada o escrita por el instrumentista de acuerdo a sus gustos y capacidades. Muchas de estas cadenzas fueron publicadas y aún hoy diferentes interpretaciones del mismo concierto pueden incluir cadenzas escritas por diferentes compositores.

Tipos
Generalmente se pueden distinguir en la música clásica tres tipos de concierto:

Concierto Barroco
Participan uno o dos instrumentos solistas acompañados por una pequeña orquesta barroca. Suelen estar divididos en 3 movimientos aunque los hay de mayor o menor número. En general alternan rápido, lento, rápido.

Concierto Clásico
Participan generalmente un instrumento solista que juega a preguntas y respuestas con la orquesta acompañante. Suelen constar de 3 movimientos. El primer movimiento suele ser allegro, y sigue la forma sonata. El segundo movimiento suele ser lento, generalmente adagio o andante. Sigue una estructura bitemática. El tercer movimiento suele ser rápido, generalmente rondó, minueto o allegro finale.
Aparece la cadenza, que si bien se empezó a configurar en el barroco, aquí se vuelve la característica distintiva del género. Generalmente se encuentra al final del primer o tercer movimiento, aunque en algunos casos también se puede encontrar en el segundo.

Concierto Romántico o Virtuoso
Participan un instrumento solista, con gran capacidad expresiva y virtuosismo, que centra la atención del concierto. La orquesta suele tener una finalidad acompañante. En este periodo hay más libertad en la forma, por lo que es habitual que se altere el orden y la cantidad de los movimientos.

Concierto en época moderna
Los conciertos musicales de grupos más actuales son una forma de presentar las nuevas bandas o las canciones de las bandas clásicas. Generalmente se hace una presentación de teloneros y posteriormente la banda principal.

El concierto para guitarra y orquesta es una composición basada en la estructura del concierto clásico de tres movimientos (aunque hay excepciones), donde la guitarra (o las guitarras) figura como instrumento principal y se le exige un alto grado de virtuosismo a su ejecutante. Algunos de los compositores de conciertos para guitarra han sido: Joaquín Rodrigo, Heitor Villa-Lobos, Manuel Palau, Salvador Bacarisse, Alfonso Montes, Federico Moreno Torroba, Celedonio Romero, Manuel María Ponce, Mario Castelnuovo-Tedesco, Mauro Giuliani, Leo Brouwer, entre muchos otros.

THE GREAT GUITAR CONCERTS
Guitarra: Jhon Williams

DISC 1
1. Vivaldi Concerto for Guitar and String Orch in D major
2. Joaquin Rodrigo Concierto de Aranjuez
3. Joaquin Rodrigo Fantasia para un Gentilhombre
4. Mario Castelnuovo-Tedesco Concerto No1 in D Op. 99
DISC 2
1. Vivaldi; Concerto for Guitar & String Orchestra in A major
2. Heitor Villa-Lobos; Concerto for Guitar & Small Orchestra
3. Manuel Mariá Ponce; Concierto Del Sur

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Aporte, Bim Phan Anh Bao, Ho Chi Minh City - Vietnam

MUSIC AROUND THE WORLD... John Williams

2009-07-05T22:30:00.008-05:00

Artículo, cortesía de artelinkado.com

(Biografía John Williams)

REFLEXIONES ACERCA DE LOS CONCURSOS, Por Jaime Soria Porto

Competir es parte de la naturaleza del ser humano, el hombre ha inventado desde siempre competencias para comparar sus habilidades con sus semejantes. En la música no es la excepción y desde hace ya varias décadas los concursos instrumentales han ido cobrando cada vez más importancia, y aunque en un concurso no se definen aquellos elementos más sublimes y elevados que buscamos al hacer música, no podemos negar que son útiles como medio de desarrollo en la formación de profesionales; en la guitarra, personalidades como David Russell, Denis Azabagic, Zoran Dukic, Ricardo Gallén o Marcyn Dylla, por mencionar algunos, se dieron a conocer en el plano internacional y han logrado una sólida reputación a raíz de la obtención de premios en diversos concursos.

Pero ¿Para qué sirve un concurso? Hay quien piensa que son un absurdo, que el participante sólo va a sufrir, que los resultados siempre son manipulados y prefieren abstenerse de participar en ellos. También hay quien cree que son el camino a seguir, que hay que participar en los más que se pueda y que ganar alguno te pone inmediatamente en un lugar preponderante o te convierte automáticamente en un gran guitarrista. Personalmente, creo que el mayor provecho a nivel personal que se obtiene de un concurso va más allá del reconocimiento público y de echarse a la bolsa una cantidad económica de premio o ganarse una guitarra, también creo que son una herramienta de mucha utilidad en el desarrollo musical de un país, pensemos a manera de ejemplo el movimiento guitarrístico en Cuba, donde constantemente surgen nuevas generaciones de intérpretes y que por medio de los concursos celebrados en ese país caribeño se han dado a conocer fuera de él.

Participar en un concurso implica exponer las propias virtudes y carencias frente a un público y un jurado, sometiéndonos a una presión a la que no estamos acostumbrados en nuestro estudio habitual. En México, los concursos de guitarra año con año han ganado cada vez más adeptos, sólo basta echar un vistazo a algunos de ellos para comprobar la creciente participación de las nuevas generaciones; Paracho, Taxco, Xalapa, Chihuahua, Culiacán, Morelia, Guanajuato, Monterrey, Chiapas y la Ciudad de México han sido sedes de diversos concursos. En los últimos años, estos eventos han revelado un gran avance y el impresionante empuje de los jóvenes e incluso niños guitarristas que demuestran que prácticamente en todo el país se estudia la guitarra de manera más o menos seria. A pesar del avance que aportan estos concursos, me parece sin embargo que existen carencias que impiden que en muchas ocasiones se les de un adecuado enfoque, se encuentran totalmente desarticulados entre sí y se da el caso de que un mismo concurso sus características cambian completamente de un año al siguiente.

Es común encontrar como resultado de un concurso a un montón de participantes inconformes, sólo a los ganadores de los tres primeros lugares contentos (en ocasiones solamente el primero), un jurado presionado y duramente cuestionado y un concurso que pierde credibilidad. ¿Por qué sucede esto con tanta frecuencia? Solemos decir y escuchar: "...así son los concursos...", ¿no será más bien que así los hacemos? o "...los concursos son diferentes a los conciertos..." ¿no deberían ser lo mismo? Creo que muchos de los problemas e inconformidades podrían evitarse con una adecuada planeación. Artículo Completo

MUSIC AROUND THE WORLD

Guitarra: John Williams

1. Theme and Variations on Japonese folk song

2. Fantasy - Divisions

3. Sonatina Meridional

4. Choro No. 1

5. Vals Criollo

6. Norteña

7. Five Pieces, Vicente Sojo

8. Danza Paraguaya
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Aporte, Bim Phan Anh Bao, Ho Chi Minh City - Vietnam

CHANSONS FRANÇAISES Vol. 1 y 2... Roland Dyens

2009-04-26T15:20:00.002-05:00

Datos Biográficos cortesía de rolanddyens.com

Roland Dyens, intérprete, compositor, arreglista e improvisador, francés, nació el 19 de octubre de 1955. Con sólo nueve años inició sus estudios de guitarra, y cuatro años más tarde se convirtió en alumno del Maestro español Alberto Ponce, obteniendo en 1976, la “Licencia de Concierto”, titulación otorgada por la “Escuela Normal” de Música de Paris.Compaginó sus estudios instrumentales con los teóricos, de la mano del celebre compositor y director de orquesta Desiré Dondeyne, logrando el Primer Premio de Armonía, de Contrapunto y Análisis del Conservatorio Superior de Paris.Entre los muchos premios que obtiene desde los inicios de su carrera, cabe destacar el Premio Especial del Concurso Internacional “Città de Alessandria” (Italia), así como el prestigioso Gran Premio del Disco de la Academia “Charles-Cros”, en ambos casos logrados en acontecimientos de homenaje a Villa-Lobos.
Ha sido laureado por la fundación Menuhin y a los 33 años, fue clasificado por la famosa revista “Guitarist”, como uno de los 100 mejores guitarristas del mundo, incluyendo todos los estilos.El 30 de septiembre del 2006, le fue entregada, por la Presidencia del Concurso Internacional “Città di Alessandria”, la “Chitarra d´Oro”, en reconocimiento al conjunto de su obra.En el siguiente año, GFA (Guitar Foundation of America) lo honró al seleccionarlo para componer la pieza obligatoria de este prestigiado Concurso Internacional anual que, en 2007, se llevó a cabo en Los Angeles, California.
Un número aproximado de 50 guitarristas interpretaron “Anyway” y su improvisación central. En este mismo año, durante su gira de otoño por Norte América, la Winnipeg Free Press (Canadá) le otorgó cinco estrellas por su excepcional recital del día 6 de Octubre en la ciudad de Winnipeg. Esta gran distinción ha sido concedida solo dos veces desde la fundación de este periódico en 1872.El 27 de julio del 2008, Italia reconoció de nuevo la valía de su obra otorgándole el “Premio per la Composizione” en el 2º Festival Internacional de Guitarra “Città di Fiuggi”(Roma).Algunos meses mas tarde, Roland Dyens fue elegido y honorado para componer y dirigir la totalidad de la música del 20°aniversario de la famosa Asociación "Guitar Ensemble Association of Japan"."Soleils levants" (Soles crecientes) el 9 de noviembre 2008 en la prestigiosa Nakano Main Hall de Tokyo.

Chansons Françaises Vol. 1

1 - La Bicyclette

2 - I´Hymne à l´Amour

3 - Cécile ma Fille

4 - Il Pleut dans ma Chambre

5 - Gottingen

6 - Syracuse

7 - La Javanaise

8 - Sa Jeunsse

9 - Il n´y a plus d´Après

10 - Brave Margot

11 - La Chanson de Vieux Amants

12 - Un Jour Tu Verras

13 - La Java des Bombes Atomiques

Chansons Françaises Vol. 2

1 - La Foule

2 - Avec Le Temps

3 - Charles Trenet - Revoir Paris

4 - La Java bleue

5 - Ma Plus Belle Histoire D´Amour

6 - Ce petit chemin

7 - Ne Me Quitte Pas

8 - Adieu foulard, adieu Madras

9 - Ile de Ré

10 - Plaisir d'Amour

11 - Trousse chemise

12 - Les loups sont entrés dans Paris

13 - La Ballade des dames du Temps Jadis

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Aporte, Osvaldo Pérez Pérez, Coayacan - México

GUITAR MUSIC OF CHILE... José Antonio Escobar

2009-04-06T22:19:00.008-05:00

Biografia, cortesía de joseantonioescobar.cl

José Antonio Escobar, nació en Santiago de Chile, donde se formó desde muy joven junto al destacado Maestro y Laudista Profesor Ernesto Quezada en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, titulándose con Distinción Máxima. Obtuvo una Beca del Gobierno de Chile para realizar un Postgrado en la Hochschule für Musik de Augsburg, Alemania junto al destacado guitarrista alemán Franz Halász quien lo invitó a formar parte de la Meisterklasse (Clase de los Maestros).

Obtuvo más de 16 Premios en los más importantes Certámenes Internacionales de Guitarra Clásica. Entre sus galardones se destacan:1er Premio - Concurso Internacional de Guitarra VILLA-LOBOS, Río de Janeiro, Brasil, 1997.1er Premio - Concurso Internacional de Guitarra ALIRIO DÍAZ, Caracas, Venezuela, 1998.1er Premio y Premio Especial del Público, Certamen Internacional de Guitarra F. TÁRREGA, Benicassim, España, 2000.1er Premio - STOTSENBERG International Guitar Competition, Malibu, USA, 2001.1er Premio (2do.desierto) - Concurso Internacional de Guitarra JULIAN ARCAS, Almería, España, 2003.1er Premio - Concurso Internacional de Guitarra de Norba Caesarina, Cáceres, España, 2005.Se ha presentado en muchas ciudades de Europa, Norte, Centro y Sur de América, Oceanía, Medio Oriente y Norte de África. Ha debutado en importantes salas de concierto tales como el Royal Festival Hall (Purcell Room) de Londres, Musikverein de Viena (Brahms Saal), Teatro Monumental de Madrid, Sala Teresa Carreño de Caracas, Sala Cecilia Meireles de Rio de Janeiro y Cairo Opera House (Egipto).

Ha sido invitado para tocar como solista con diferentes orquestas entre las que se encuentran la Orquesta Sinfónica de Torino, Orquesta Sinfónica Mediterránea, Orquesta de Cámara de Oviedo, Orquesta Sinfónica de Chile, Orquesta de Extremadura y la Hofer Symphoniker de Alemania.Realizó su grabación debut en NAXOS con excelente aceptación de parte de la crítica especializada. Grabó el Concierto de Aranjuez de J. Rodrigo en vivo para Canal 2 de TVE (Televisión Española) siendo retransmitido posteriormente en gran parte del mundo. En el 2004 graba su segundo CD Sonatas Iberoamericanas para Guitarra para el sello RTVE (Radio y Televisión Española) y en el 2006 graba un nuevo proyecto para el sello NAXOS de Música Chilena para Guitarra.

Próximamente lanzará su primera grabación independiente dedicada exclusivamente a obras del compositor brasileño Heitor Villa-Lobos. Destacados compositores chilenos le han dedicado sus obras, algunas de las cuales han sido estrenadas, grabadas y premiadas internacionalmente. Se ha desempeñado como Profesor de Guitarra en la Hochschule Für Musik de Nürnberg - Augsburg, Alemania. Ha impartido clases de Guitarra Clásica y Música de Cámara como Profesor Titular en el Conservatorio Superior de Música de la Universidad Austral de Chile y desde 2004 es Profesor Titular de la Cátedra de Guitarra Clásica y Música de Cámara en el Conservatorio Superior de Música de la Universidad Mayor de Santiago, Chile. Ha dado Clases-Magistrales diferentes universidades e instituciones educacionales en diversos paises como Inglaterra, Alemania, Bolivia, Brasil, Chile, Finlandia, Islas Canarias, Líbano, Marruecos y Noruega.

Críticas sobre sus discos:

“…más allá de la técnica pura y la musicalidad perfecta que se esperan de un intérprete premiado, ¿qué tiene la interpretación de Escobar que la distinga? Dos rasgos se hacen inmediatamente evidentes. Primero, su sonido es sobresaliente. No varía ampliamente, pero en términos de profundidad, claridad y calidez, este es un sonido de guitarra ejemplar. A medida que escuchaba, en varios puntos recordaba a David Russell -- la belleza constante de su sonido._El segundo rasgo distintivo -- mucho más general pero al mismo tiempo más presente -- es su refinamiento interpretativo. Cada momento está guiado por una inteligencia musical y una sensibilidad que rara vez se encuentran. El resultado es una interpretación que no siempre atrae la atención hacia sí misma, sino que procede con un enfoque, una dirección y un objetivo notables. Esta inteligencia se siente aquí particularmente en las obras de mayor peso…”
(Steven Rings, American Record Guide. USA, 2002)“...La maestría, la inteligencia y el sonido de José Antonio Escobar en obras de carácter tan diverso lo colocan sin reservas entre los excelentes intérpretes actuales de nuestro instrumento.“ (Le Cahiers de la Gitare, Paris, 2002)Sobre sus conciertos:“…Escobar es un intérprete que tiene una sólida técnica además de un excelente gusto musical…” (Classical Guitar Magazine, Londres, 2006)“Escobar es un virtuoso refinado y muy poético en cuyas manos la guitarra chilena tiene su propio sonido suave y brillante.” Hannu-Ilari Lampila, Helsingin Sanomat, Finlandia, Diciembre 2006)“Finalmente Escobar interpretó los 12 Estudios de Villa-Lobos, demostrando que es uno de los más grandes intérpretes que han emergido de Sud América estos últimos años” (Robert Matthew-Walker, Musical Opinion, Mayo 2007).

GUITAR MUSIC OF CHILE
Guitarra: José Antonio Escobar

1. Euclidica (Tonada Acuecada)

2. Suite del Tiempo ausente

3. La disyunta

4. Coihues

5. Arrayanes

6. Chiloética

7. Tonada del retorno

8. Sentido y razón "Homenaje a Víctor Jara"

9. Tonada a mi madre

10. 5 Anticuecas

11. Guitar Sonata "Homenaje a Violeta Parra"

12. Tonada por despedida
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Aporte, Salvador Sandino Treumun, Valparaiso - Chile

20 MICROESTUDIOS... Abel Carlevaro

2009-02-23T23:23:00.008-05:00

Datos Biograficos, Cortesía de mangore.com

Abel Carlevaro (Biografía Guidáctica) ¿Quién es Abel Carlevaro? En una carta a Mario Castelnuovo-Tedesco a fines de la década del 50, Segovia escribió: ¨... tres de los guitarristas que compiten por el primer premio en Ginebra están entre mis mejores alumnos: el español Narciso Yepes, el venezolano Alirio Díaz, y el uruguayo Abel Carlevaro.

Longitudinal , transversal , y presentaciones mixtas , palanca y pivote son solo algunos de los muchos términos introducidos a la jerga de la técnica guitarrística por el maestro uruguayo Abel Carlevaro en su revolucionario libro de técnica Escuela de la Guitarra. Aun recuerdo los artículos que aparecieron en las revistas especializadas en guitarras a mediados de los 80s, cuando la versión en inglés del mencionado libro impactó la escena guitarrística de los Estados Unidos. Algunos describieron al libro como ¨iluminador¨, otros como ¨no ortodoxo¨... lo que no se puede negar es que nadie le fue indiferente.

¿Quién es Abel Carlevaro? En una carta a Mario Castelnuovo-Tedesco a fines de la década del 50, Segovia escribió: ¨... tres de los guitarristas que compiten por el primer premio en Ginebra están entre mis mejores alumnos: el español Narciso Yepes, el venezolano Alirio Díaz, y el uruguayo Abel Carlevaro.

El buen conocimiento de Montevideo y la movida musical ruguaya es muy importante a la hora de comprender como y por qué un músico de la talla de Carlevaro encaró la ejecución de guitarra de modo tan universal y científico. A principios del Siglo 20, Uruguay era considerado como la ¨Suiza de Sudamérica¨. Una solidez económica y la estricta mano imperial inglesa dejaron su marca en muchas de las costumbres uruguayas y en el estilo de vida de su gente. Los exclusivos inmigrantes europeos en vísperas del nuevo siglo daban a Montevideo y al Uruguay en general un carácter prácticamente inexistente en los países limítrofes. El nivel de analfabetismo en Uruguay es casi cero. Ésto dice mucho, especialmente dado que es generalizado el concepto de que Sudamérica está a duras penas alfabetizada.

Desde 1933 hasta cerca de 1950, la región de River Plate pasó por un periodo de prosperidad desconocido en el hemisferio sur, salvo por Australia. Era durante esta era dorada que Andrés Segovia llegó a Montevideo. Cuando Segovia comenzó a enseñar a Carlevaro, éste último era ya un guitarrista renombrado. Mientras que la gente y los artistas en general sufrían las consecuencias de una Europa atormentada por la guerra, Sudamérica ofrecía el entorno ideal para el crecimiento, la expansión, y la prosperidad. El mundo de la guitarra vió a Agustín Barrios Mangoré y Abel Carlevaro moldeando al instrumento y su repertorio, y los compositores como Villa-Lobos agregaban a la inmensa paleta de talentos que le daban un gran y muy necesitado empujón a la guitarra clásica. Como consecuencia, Segovia transcurrió y formó parte de 10 muy prolíficos años en Uruguay. Lo único que podía revertir esta época de oro era el coqueteo de River Plate con las dictaduras militares. La región sigue pagando sufridamente por este pecado.

Además de la fértil escena de guitarra sudamericana en la que Carlevaro estaba creciendo como músico, el otro factor clave que contribuyó a su futura grandeza era su reacción única al estancamiento general en que la técnica y construcción de guitarras se encontraba hacía muchos años. La escena de música mundial se estaba aún ¨adaptando¨ a la introducción de la guitarra al círculo elite de música clásica. La guitarra estaba hecha para tocarse como la tocaba Segovia. La guitarra de 8 cuerdas de Tomás, la de 10 cuerdas de Yepes, y el sistema de dos guitarras en una, de Carlevaro, tendrían que esperar, pero las semillas estaban germinando.

No existe guitarrista antes ni después de Segovia que haya sido famoso mundialmente. Segovia tuvo mucho que ver con ésto. De modo que sería justo decir que después del enorme logro por parte de Segovia de lograr ubicar a la guitarra como un ¨instrumento clásico respetado¨, debía pasarse al siguiente logro: hacer entender al mundo que el de Segovia era un ¨estilo personal interpretativo¨. Uno que dominó el mundo guitarrístico por casi un siglo. Sin embargo, había muchas preguntas sin responder, y las voces que por muchas décadas habían sido calladas empezaban a oirse. Eso explica por qué muchos guitarristas eligen ir a Montevideo para trabajar con Carlevaro... o a Alicante para trabajar con Tomás o Las Rosas, o Yepes. Yo tuve el honor y el privilegio de trabajar con los tres, y el que más me influenció de ellos fue Abel Carlevaro... las personas que me lo recomendaron como ¨el profesor para ti¨ eran personas que yo respetaba y en quienes yo confiaba: uno de mis maestros, el español José Tomás, y el constructor de guitarras Manuel Conteras. Eran personas prácticas. Sabían de lo que estaban hablando. Después de mostrarme 20 guitarras en su estudio de Madrid, y ver que no me entusiasmaba ninguna de ellas, Manuel Contreras me dijo: - Espera un momento. Se dirigió a la escalera que llevaba al estudio en el subsuelo y volvió con una guitarra de aspecto extraño y me dijo ¨Prueba esto¨... empecé a tocar a lo largo del diapasón y el sonido de este instrumento era simplemente bellisimo y diferente... me enganchó. Le pregunté: -Qué es esto? y me dijo - es una guitarra diseñada por el guitarrista uruguayo Abel Carlevaro... ésta se la estoy construyendo a él... Carlevaro es genial.¨ Diez minutos más tarde ordené una para mí y le pedí a Contreras que me diera el número de teléfono de Carlevaro. La manera en la que esta guitarra estaba construida se puede resumir así: “Imagina construir una guitarra dentro de otra guitarra. El instrumento vibrador - interno - es libre para vibrar completamente porque no está siendo apañado por la caja.¨ Por otro lado, José Tomás, que sabía el esfuerzo que representaba para mí quedarme en Europa y lejos de mi familia, me dijo: - Renato, no has considerado estudiar con Abel Carlevaro. El hombre vive en Uruguay (Uruguay está a unos 2500 kms. al sur de Paraguay), y es un gran maestro¨ ... Ahora, díganme, ¿no les parece una obra de arte la vida? Ahí estaba yo, en Europa, a 13.000 kms. de casa, haciendo un esfuerzo enorme tanto económica como emocionalmente, corriendo detrás del ¨noventenario¨ Segovia para escucharle decir ¨Ah, yo era guitarrista mucho antes de nacer¨... o ¨Yo sentía la redondez de la tierra bajo mis pies¨ ... cuando lo que yo necesitaba de verdad era un maestro que me dijera ¨punteas la cuerda así, y levantas el dedo así¨ , y que este master estuviera a solo 1300 kms. de casa!!!

Las neuronas empáticas, también conocidas como neuronas-espejo, están siendo usadas por científicos especializados de la Universidad Médica de Lübeck y el Departamento de Neurociencia de la Universidad de Parma. Los científicos en estos centros han provado que las misma células del cerebro se estimulan cuando vemos movimiento, cuando pensamos en movimiento, y cuando emulamos el movimiento. El conocido dicho de Carlevaro: - Prefiero pensar 5 horas y trabajar una que hacer lo contrario, adquiere más validez que nunca. Su escuela se basa por completo en dejar que la mente procese cada movimiento sobre el diapasón antes de ejecutar el movimiento en sí. Carlevaro insistió en que los guitarristas podían contar con más que una serie de músculos para lograr cualquier tarea, y que era la responsabilidad del artista usar la serie más apta de músculos para cualquier tarea. Esta es la teoría detrás del concepto de ¨fijación¨. un concepto que considera la anulación de ciertos grupos musculares mayores o menores, para lograr tipos específicos de sonidos y movimientos.

Carlevaro no dejaba nada al azar. Si se le ocurría algo, era una cuestión de tiempo antes de que encontrara la forma de lograrlo. Uno de los días más importantes en la historia de la guitarra es el día que Carlevaro encontró la forma de eliminar los chirridos de la mano izquierda en el diapasón; un fenómeno que amenudo se ignora, con poca consideración hacia la reacción molesta y anti estética que produce en el oyente. Cuando otros instrumentalistas nos oyen, se preguntan cómo hacemos para soportarnos con todo ese ¨ruido¨ que sin duda no es parte de la música. La razón es simple: muchos guitarristas simplemente ignoran el ruido de las cuerdas. Sus mentes aprenden a ignorarlo... audición selectiva. No hay otra explicación. Imagínate esta linea de pensamiento: ¨Toco el do suavemente, luego hago chillar la quinta cuerda y finalmente toco el mi suavemente.¨ ¡Imposible! Por lo tanto, esto es lo que pasa en algún lugar de la cabeza de muchos guitarristas: ¨Toco el do suavemente, ignoro el chillido horrible en la quinta cuerda, y finalmente toco el mi suavemente.

- ¿Cómo elimino estos ruidos? solía preguntarle a Carlevaro, y el respondía: - Primero dime: ¿cómo los produces? Porque los haces tan bien que supongo debes haberlos practicados por horas! La peor parte de no poder eliminar los ruidos de la izquierda era que ni siquiera sabía como los producía en primer lugar. Entonces eliminarlos era en realidad dos problemas en uno. Carlevaro me hizo mirar otra vez a mi mano izquierda en cámara lenta y después me preguntó: - ¿Qué tendrías que hacer para eliminar ese chillido? Yo miraba una vez más a mi mano izquierda en cámara lenta y no pasó mucho tiempo antes de que me obtuviera las respuestas - alimenos algunas. Entonces él me guiaba a través del resto del proceso. Así era la enseñanza de Carlevaro. Piensa, piensa, y piensa otra vez. El resultado era obvio: empezabas a desarrollar tu propia técnica un pasaje musical después de otro. Sobre el repertorio, enfatizó que se aprende la técnica a través del repertorio y no al revés. Es decir, primero eliges el repertorio según tu gusto musical, y cuando llega el desafío que sea, creas tu propio ejercicio para superarlo. Así, la técnica se vuelve un proceso creativo.

Cada una de las dificultades técnicas es triturada una y otra vez por la mente, y así llegan las respuestas que luego se traducen en movimientos sobre el diapasón. Uno se desilusionaría si creyera que Carlevaro tenía respuestas a problemas técnicos o que se metería en la jerga técnica. Lo que él tenía eran preguntas y más preguntas, cuya respuesta, a la larga, se presentaba ¨sola¨ a través de uno. Fui intérprete simultáneo para Carlevaro en varias ocasiones durante conferencias que dictaba en Latinoamérica y la única vez que no me quedaron muy claros sus pensamientos e ideas fue cuando empezó a filosofar sobre la música y el rol de la guitarra en eventos mundiales... sus conceptos técnicos nunca fueron difíciles de entender ni traducir. Cuando examinaba a guitarristas que gastaban tanta energía para tratar de compensar las posturas que anatómicamente no funcionaban, Carlevaro decía simplemente: - Tocarían tanto mejor y por tanto más tiempo, con posturas mejores y más naturales. Carlevaro se tomó el tiempo necesariop para estudiar la física y anatomía involucrados en tocar la guitarra. Su técnica está entre las pocas que ha llegado hasta tan lejos, y además logró transmitir este conocimiento a sus alumnos. El talento puede cubrir muchos defectos, pero he conocido unos cuantos guitarristas que han tenido que abandonar sus carreras debido a serios problemas físicos originados en una posición equivocada al sentarse a tocar.

Guitarristas europeos, sudamericanos y asiáticos acudían en tropel a Montevideo, y literalmente seguían a Carlevaro, de una clase magistral a la siguiente. Muchos guitarristas estadounidenses, incluso, hicieron la peregrinación a Uruguay en los 80 y 90 para estudiar con Carlevaro en persona, y la razón es una muy simple: cuando estudiabas con él, te descubrías a ti mismo, el único que podía tocar la guitarra soberbiamente para tí. Y yo te recomiendo lo mismo: piensa, piensa, piensa.

Artículo de Renato Bellucci publicado en GuitArt International, Ene/Mar 2004

20 MICROESTUDIOS

Abel Carlevaro

1. Volumen I, II, III, IV

2. Aire de Vidalita

3. Milonga Oriental

4. Introducción y Capricho

5. El Poncho

6. Cadencia I, II, III
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Aporte, Juan López López, La Coruña - España

AIR ON A G STRING... David Russell

2009-02-23T22:57:00.003-05:00

David Russell (Biográfia Guidáctica). Entrevista
INSPIRACIÓN

"Si no fuera físico, probablemente sería músico. Pienso a menudo en la música. Sueño despierto con ella. Veo mi vida en términos de música".(Albert Einstein)El mismo, respondiendo a una pregunta sobre su teoría de la relatividad, dijo:"Me surgió por intuición y la música fue la fuerza motriz detrás de esa intuición. Mi descubrimiento fue el resultado de la percepción musical".

Muchas veces nos quedamos sin inspiración y encontramos difícil continuar practicando. Esto les sucede sobre todo a los jóvenes profesionales y a los estudiantes de nivel avanzado. El progreso se ralentiza y desmoraliza observar muy poco o ningún avance después de muchos días de duro trabajo.Inspírate en los músicos aficionados. Siempre tienen unas cuantas obras bonitas de música en su repertorio, que tocan para ellos mismos (o para otros en una fiesta).

Ellos nunca olvidan que hacen esto por el puro placer de producir música, sin tener en cuenta su nivel de habilidad.Muchas personalidades tienen la música en su vida y a mí siempre me anima escuchar de alguien que ha destacado en otro campo y tiene la música como un hobby.

Me gusta una anécdota de Albert Einstein tocando el violín con Albert Schweitzer al piano. Un pasaje de música no les estaba saliendo bien, y Schweitzer le dijo a Einstein: "¿Qué pasa, Albert, no sabes contar?".

David Russell.

Air on a G String
David Russell

1. Partita in A minor, BWV 1013
2. Adagio - Arioso (from cantanta No. 156)
3. Fantasia in C minor
4. Prelude (Sonata No. 5 in G Major)
5. Allemande (Sonata No. 19 in F Major)
6. Courente Royale
7. Tombeau sur la mort de M. Comte D´logy
8. Allegro (Sonata No. 22 in G Major)
9. Pastorale in F Major
10. Suite in D Major, La Prise de Gaeta
11. Les Silvains (No. 8)
12. Les Tours de Passe-Passe
13. Les Barraicades Misterieuses
14. Suite No. 3 in D Major BWV 1068 (Air on the G String)

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Aporte, Héctor Espinosa Méndez, La Paz, Bolivia

MÚSICA DE ARGENTINA... Luis Salinas

2009-01-22T23:47:00.006-05:00

Datos Biográficos, cortesia de salinasluis.com.ar

Luis Salinas, nacio en Monte Grande, en el conurbano de la provincia de Buenos Aires, Argentina. La influencia de su padre y de su padrasto, ambos músicos, lo animaron a tocar la guitarra desde edad muy temprana. Músico autodidacta. Es un improvisador nato con una original capacidad interpretativa, abarcando distintos generos con el concepto del jazz.

Su carrera internacional comenzo grabando el disco "Aire de Tango" en Suecia junto a Anders Person, Christian Spering y Magnus Gran; producido por Salinas para el sello Dragon Records, luego graba en EE.UU dos discos de latin jazz para el sello GRP, una producción de Tommy LiPuma, "Salinas" en Minneapolis y "Rosario" en New York. Tocó con B. B. King en Buenos Aires, San Pablo t Rio de Janeiro. Inicia su carrera en España, compartiendo escenarios con músicos como Raimundo Amador, Birélli Lagréne, Larry Corryel entre otros, show y discos con Tomatito, Diego "Churri" Amador, Javier Colina, Antonio Serrano, Jordi Bonell, Jorge Pardo; edita el disco "Salinas y Amigos en España" a cargo del selo New Mood Jazz de Barcelona.

Participó en el Festival de Jazz de San Javier (España-2007) dónd e actuaron entre otros Charlie Haden, joey Defrancesco trio, John Pizzarelli, Wynton Marsalis, Michael Camilo, Ivan Lins entre otros, tocando la primera noche con su cuarteto y presentando "solo Guitarra" como apertura del concierto de Marcus Miller. Abrio la presentación de la 8ª luna del Festival Nacional de Folklore de Cosquin (Edición 2008) y luego compartió el escenario con Mercedes Sosa. Participó en Festivales de Jazz de la Habana (Cuba). junto a Chucho Valdes y junto a Irakere.

"Todos tenemos una condición natural para algo. No es lo que te gusta si no lo que podes hacer. El resto es Trabajar. No pretendo ser mejor que alguien. Quiero ser el mejor Salinas posible. Mí música más que nada tiene que ser fluida y sincera, si uno no se emociona, el público tampoco"... Luis Salinas.

MÚSICA DE ARGENTINA CD1 Y CD2

Interprete: Luis Salinas
CD1

1. Volver

2. Zamba Triste

3. Zamba Tonada

4. La Tucumanita

5. Un Vals

6. La Pesada

7. Chamame Para mi Viejo

8. Para Troilo y Salgán

9. Por Milonga

10. Chacarera para Adolfo (Abalos)

11. Mujer, NIña y Amiga

12. Milonguera
CD2

1. Aire de Tango

2. La Cristalina

3. Para Corrientes y el Chaco

4. Balada para Guitarra

5. Salgan

6. Zamba en Mi

7. La Misteriosa

8. Zamba Triste / Versión II

9. La Pesada / Versión II

10. Después
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Aporte, Guillermo David Torres, Buenos Aires, Argentina

EL DIABLO SUELTO... John Williams

2009-01-02T22:29:00.009-05:00

Datos Biográficos, cortesía de wikipedia.org

John Williams (Biografía Guidáctica); La música venezolana se caracteriza por mezclar elementos españoles y africanos, típico de ser perteneciente a un pueblo predominanemente mestizo. El género más representativo del país es la música llanera, que utiliza los instrumentos como el cuatro, el arpa, las maracas, la bandola y los capachos; este ritmo ha llegado a consagrarse como la música de identidad nacional de los venezolanos, hasta el punto que se le da la denominación en el exterior a los venezolanos como llaneros. Este género tuvo su origen en la región hoy comprendida en los estados Apure, Barinas, Guárico, Cojedes y Portuguesa, donde se cultiva con asinuidad.

Otro género de gran significación cultural es la gaita, original del Zulia —aunque tiene variantes en el oriente del país—. Hoy en día es un género que se relaciona con la Navidad en toda Venezuela. Entre los exponentes de la gaita zuliana destaca el respeto reverencial a Ricardo Aguirre, quien compuso el que es considerado el himno del género, "La Grey Zuliana". El vals venezolano goza también de reconocimiento. Aunque es derivado del mismo género europeo, está nutrido de las características musicales típicas del país, siendo ejecutado con los instrumentos clásicos de la música llanera, incluyendo la guitarra, el tiple, el piano y el clarinete. Tiene sus raíces en la región centro-occidental del país y el la región andina, donde se usan el violín y la mandolina. Como dato curioso, Venezuela tiene registrados más de cincuenta manifestaciones musicales folclóricas.

Aldemaro Romero en la Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas.
El gusto musical del venezolano es muy distinto al de los países sudamericanos, sólo con Colombia tienen algunos gustos en común como el vallenato en la costa y la música llanera, por ser fronterizos. El gusto musical es netamente caribeño: en Venezuela la salsa y el merengue es música para escuchar y no sólo para bailar, como en otros países. El baile más representativo de la nación venezolana es el joropo. Posee un movimiento rápido a ritmo ternario, que incluye un vistoso zapateado y una leve referencia al vals europeo, por lo que representa la más genuina forma expresiva entre las manifestaciones de la música colonial.

Otros músicos de gran renombre son Antonio Lauro, Alirio Díaz y Rodrigo Riera, que se destacaron en el empleo de la guitarra, y el gran compositor y arreglista Aldemaro Romero. En los últimos años, Venezuela se ha destacado en la música clásica por realizar extraordinarias presentaciones en escenarios europeos a cargo de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, siendo ovacionada por los públicos más exigentes de Europa y que se ha ganado cierta fama a nivel internacional, colocando al país en un excelente lugar.

EL DIABLO SUELTO... John Williams

GUITAR MUSIC OF VENEZUELA
1. Ignacio Figueredo - Los Cuajaritos

2. Benito Canonico - El Totumo De Guarenas

3. Antonio Carillo - Como Llora Una Estrella

4. Antonio Lauro - Seis Por Derecho

5. Ovelio Riera - No Me Olvides

6. Pedro López - Las Perdices

7. Pedro Elías Gutiérrez - Alma Llanera

8. Vicente Emilio Sojo - Salve

9. Vicente Emilio Sojo - Five Pieces

10. Vicente Emilio - Quirpa Guatireña

11. Antonio Lauro - Angostura

12. Heraclio Fernández - El Diablo Suelto

13. Antonio Lauro - Virgilio

14. Antonio Lauro - Pasaje Aragueño

15. Vicente Emilio - Que No Te Quiera Más

16. Antonio Lauro - Romanza

17. Ignacio Figueredo - Priva Resuello

18. Antonio Lauro - María Carolina

19. Raúl Borges - Vals Venezolano

20. Antonio Lauro - Nelly

21. Antonio Lauro - El Marabino

22. Alfonso Montes - Preludio del Adiós

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Aporte Andrés Cusme, Guayaquil - Ecuador

MIDNIGTH GUITAR... Gary Ryan

2008-12-22T22:07:00.007-05:00

Datos Biográficos, cortesía de Garyryan.co

Gary Ryan, uno de los exponentes líderes de la guitarra en el mundo, conocido por sus actuaciones en vivo en las que se ha ganado la aclamación de los críticos en los principales escenarios de todo el mundo y acrededor de la admiración universal por su formidable técnica, su magistral y original musicalidad y sus programas de concierto. Nacido en Kent - Reino Unido, estudió con David Miller en la Guildhall School of Music a la edad de ocho años y más tarde ganó una beca para estudiar con Timothy Walker en la Real Academia de la Música en 1987. En 1991 se graduó con honores y una multitud de premios incluyendo el Premio Julian Bream, John Mundy String Prize y el Dorothy Grinstead Prize, y el Premio al más destacado de todos los estudiantes. También recibió premios por parte de Fleming Trust para realizar estudios de postgrado.
A la edad de 27 años Ryan fue nombrado como uno de los profesores más jóvenes en el Royal College of Music; Ryan se ha ganado una reputación como uno de los más respetados profesores de Guitarra de Gran Bretaña, con un raro don para inspirar a los jóvenes y los intérpretes de todos los niveles. Como compositor Gary Ryan ha recibido el reconocimiento internacional por sus muy innovadoras composiciones de guitarra que se basan en la rica tradición popular combinadas con influencias contemporáneas.

MIDNIGTH GUITAR

Gary Ryan

1. Mallorca Op. 202

2. Recuerdos de la Alhambra

3. Prelude suite for lute No. 4

4. Gavotte en Rondeau suite for lute No. 4

5. Pelude No. 1 in E Minor (Villa-lobos)

6. Granada from Suite Espanola Op. 47

7. Asturias from Suite Espanola Op. 47

8. Verano Porteño (Piazzola)

9. Allemande (Dowland)

10. Fantasia in E (Dowland)

11. Fantasia X (Mudarra)

12. Variations on a Theme by Mozart Op. 9

13. Choros No. 1 (Villa-lobos)

Three Venezuelan Waltzes

14. Andreina

15. La Negra

16. Natalia

17. Julia Florida

18. Dansa Brasilera

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Aporte de Tommy O'Meany Rojas - Managua, Nicaragua

J. S. BACH ORCHESTRAL SUITES... Brazilian Guitar Quartet

2008-11-23T00:59:00.006-05:00

Datos Biográficos, cortesia de brazilianguitarquartet.com

Elogiados por el Washington Post por su "belleza" y "virtuosismo", el cuarteto de guitarras de Brasil se ha establecido como uno de los principales conjuntos de guitarra. Un grupo de combinaciones únicas, en un rango de seis y ocho cuerdas les ha permitido la exploración de un repertorio original e inusual. En sus casi diez años de actividad, el BGQ ha realizado más de 250 conciertos en las Américas, Europa y Asia.

Dentro de sus participaciones claves alrededor del mundo, se destacan:

The 92 Street 'Y' and the Metropolitan Museum in New York

Spivey Hall in Atlanta

Vancouver Playhouse in Canada

Dumbarton Concerts in Washington

Chamber Music Albuquerque

Shriver Hall in Baltimore

Festival Internacional de Cultura Paiz in La Antigua, Guatemala

San Luis Obispo Mozart Festival

Round Top International Festival

Hong Kong International Arts Festival

Carmel Bach Festival

El Paso Chamber Music Festival

Musica Mundi Festival in Brussels, Belgium

Festival Internacional de Guitarra de Monterrey in Mexico

Aarhus International Guitar Festival in Denmark,

Dundee Guitar Festival in Scotland and Festival Internacional de Guitarra de Santo Tirso in Portugal

Además de numerosas actuaciones y grabaciones para Radio Nacional en Washington, DC y Houston.

En el año 2004, el cuarteto de guitarras de Brasil eran "cabeza" en la inaguración del Congreso Mundial de Guitarra en Baltimore, donde, junto con la Sinfónica de Baltimore, hizo el estreno mundial de un encargo especial hecho a Ronaldo Mirando "Compositor del Año" Brasil-2001, y en el año 2006, el Cuarteto hizo el estreno brasileño de este trabajo con la Orquesta Sinfónica de Petrobras en Río de Janeiro. La Discografía del BGQ incluye cuatro CDs bajo la etiqueta Delos, dos de ellos están dedicados a la música brasileña, Esencia de Brasil (elegido por Audiophile Audición como una de las "mejores grabaciones en 1999") y Encanto (2001); Las otras grabaciones presentan en su totalidad, dos grandes obras de música clásica occidental, Bach cuatro suites para orquesta (2000) y Albéniz de Iberia (2006).

J. S. BACH ORCHESTRAL SUITES, for Guitar Quartet
Brazilian Guitar Quartet
1. Suite No. 3, BWV 1068 In D Major (Trans. A Major)
2. Suite No. 2, BWV 1067 In B Minor (Trans. E minor)
3. Suite No. 1, BWV 1066 In C Major (Trans. E Major)
4. Suite No. 4, BWV 1069 In D Major (Trans. A Major)
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Aporte Fabián Ortiz, Bucaramanga - Colombia

MESSAGE OF THE SEA... David Russell

2008-11-01T11:34:00.008-05:00

Datos bibliográficos, cortesía de musicacelta.org

Con el término genérico de música celta la industria discográfica, las revistas musicales y los comercios intentan agrupar un conjunto de géneros musicales que comprenden desde la música folk tradicional de las poblaciones de lengua celta del Oeste de Europa hasta la música producida actualmente y que toma aportes rítmicos de ésta. El término corresponde a un nicho de mercado sabiamente identificado por la estrategia de mercadotecnia. El término música celta puede referirse tanto la tradición transmitida oralmente, como a las grabaciones de música popular que sólo tienen una similitud superficial con los estilos populares de los pueblos celtas.

Generalmente, el término se aplica también a la música de Irlanda y Escocia, debido a que ambos países producen una música con estilos bien conocidos y definidos además de ambientes puramente genuinos de este estilo musical. La música de Gales, Cornualles, Isla de Man, Bretaña, Northumbria y, particularmente en España, la música de Galicia, Cantabria y Asturias, asimilada a la corriente principal de la música celta desde la década de 1960. La tradición céltica es fuerte en Bretaña, donde hay numerosos festivales a lo largo del año. Por último, la música celta se ha expandido tanto que puede encontrarse también fuera de Europa. Un ejemplo de ello son Canadá y Estados Unidos.

Música Celta en Latinoamérica
Existen un dinámico crecimiento de este género en Latinoamérica, incluyendo la danza y la investigación en áreas relativas a las sociedades celtas como el mundo feérico o el druidismo. La música celta en América Latina necesariamente se resignifica, ya que recibe diversos aportes musicales y conceptuales propios de cada país donde se le interpreta; Se le suele ver,además, de una forma holística,cómo una sola en espíritu, a pesar de que se reconocen sus diferencias de origen y de que hay grupos especializados en repertorios nacionales: gallego, bretón,irlandés, escoces etc. Un caso interesante es el de Colombia y su muy particular forma de entender la música celta desde la espiritualidad Keltoi, el mundo de la fantasía y la mitología. Allí encontramos grupos como Perceval, primer grupo de Bogotá,la capital,en publicar un trabajo discográfico de este género: 'Retorno la Bosque Infinito'. Encontramos también a grupos como Ogmios, Alta Gracia, Espíritu Celta, Los Bosques y La Montaña Gris, por cierto, único grupo de música celta latinoamericano con dos giras continentales que promocionaron sus dos trabajos discográficos publicados hasta el momento: Canto Primio 2005 y Sobre el regazo de la Carimañola 2007. En Uruguay destacan intérpretes como Lorena Lores, Cristina Fernández, Los Casál, Griannan o la Southern cross pipe band. Es de anotar que en Uruguay se ha celebrado en dos ocasiones un gran festival de música celta con agrupaciones del continente, Europa y Norteamérica.

En México existen bandas como Joculatores Domini y Zabulus Salix; En Costa Rica, están los grupos Peregrino Gris, Nordics y Medieval. en Venezuela, Gaêlica y Cantigueiras da Terra, y en Chile la Banda Celtamericana, con una propuesta que fusiona la música celtica con lo latino, Riveira, Keltoi, Banda Celta Danzante entre otros:. Por último, el caso de Argentina merece un desarrollo más amplio, dado que este país fue receptor de grandes oleadas inmigratorias provenientes de Europa desde 1880 a 1960 multiplicando su población por 4. Vale decir, que a pesar de que los inmigrantes llegaron de todas partes de Europa, en el caso de los provenientes de las naciones celtas hay que destacar a los gallegos que fueron el 60% de los llegados de España, seguidos de los asturianos, cántabros, irlandeses, galeses y escoceses.

Es por ello que sus descendientes recrean sus melodías, algunas tradicionales y otras de composición y autoría original, pero siempre con esa reminiscencia céltica. Entre los conjuntos más importantes en este sentido se destacan: Sete Netos, Xeito Novo, Gael, Os Furafoes, Kells, Arween, S.A.P.A. Pipe Band, Na Fianna, Calath, Xoldra, Fillos do Vento y la ya mencionada Celtic Underground, que fusiona música electrónica con música escocesa tradicional y de autoría propia, compuesta por Germán Lami y Ralph Tuero. Este último también es el Pipe Major de la S.A.P.A. Pipe Band, y ha participado como músico invitado en discos de reconocidos artistas de rock argentinos como Los Piojos, Super Ratones, Los Pericos y Alfredo Casero.

CELTIC MUSIC FOR GUITAR
David Russell

1. The Bucks of Oranmore
2. Spatter the Dew
3. My Gentle Harp
4. Threee irish pieces
5. Neil Gow´s lament for the Death of this second wife
6. Fantansy on a Scottish Air
7. Cherish the Ladies
8. Morag
9. The Pipe on the Hob
10. Whiskey, you´re the Devil
11. Kildare Fancy
12.Clyde Suite
13. The Bonnie, Bonnie Banks of Loch Lomond
14. Roslin Castle
15. The Bride´s Reel
16. Miss mary Walker of Peterhead
17. The Rosse Bud of Allenvale
18. Farewell to Stromness
19. The Deil Amang the Tailors
20. The fair Haired Boy - Three little Drummers
21. Sanas Cuanin (Message of the sea)
22. Strathspey Forever
23. Loch leven Castle
24. Spey in Spate
25. Skye Boat Song
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Aporte Rosario Formoso, Tacuarembó - Uruguay

RENNAISSANCE FAVORITES FOR GUITAR... David Russell

2008-10-24T10:58:00.003-05:00

Datos Biograficos, cortesia de Eurielec.es

David Russell (Biografia Guidáctica) Como uno de los grandes representantes del Renacimiento musical, John Dowland, (Londres, 1563- id., 1626) Compositor irlandés. Formado en Italia con L. Marenzio, destacó como el mejor laudista de su tiempo y estuvo al servicio de Cristián IV de Dinamarca y de Carlos I de Inglaterra.

Se conoce muy poco de la vida temprana de Dowland, pero generalmente se admite que nació en Londres o posiblemente Dublín. Se sabe que en 1580 fue a París, donde trabajó al servicio del embajador de Inglaterra ante la corte de Francia. Allí se convirtió al catolicismo tras amenazas del emperador y posiblemente trabajó hasta 1587. Después de buscar en vano un puesto en la corte protestante de Isabel I de Inglaterra, según él debido a su conversión, estuvo al servicio del duque de Brunswick y del conde de Hesse. Asimismo viajó a Italia. Desde 1598 trabajó como músico en la corte de Christian IV de Dinamarca. Volvió a Inglaterra en 1606 y por fin en 1612 obtuvo un puesto como laudista de Jacobo I de Inglaterra. También tocaba sus canciones a un público extenso. Murió en Londres.
Aunque fue famoso en su época como laudista y cantante, hoy en día es reconocido como un gran compositor de música melodiosa y armónica. Compuso 87 canciones (para voz y laúd) que se publicaron en tres Books of Songs or Ayres (1597, 1600 y 1603), A Pilgrims Solace (1612) y Musical Banquet (publicado por su hijo Robert en 1614). Sus demás obras incluyen: Lachrimae (1604), conteniendo 21 obras instrumentales, y muchas piezas para laúd solo. Su música a menudo muestra la melancolía que estaba de moda en esa época. Una de sus obras se llama Semper Dowland, semper dolens ('Siempre Dowland, siempre triste') y se podría decir que es una descripción adecuada de su obra.
John Dowland fue sin duda un hombre difícil y sensible, con altibajos de arrogancia y depresión, y fue a menudo para sí mismo su peor enemigo. Según las propias palabras de su amigo el escritor Henry Peacham "dejo escapar muchas oportunidades de mejorar su suerte". John Dowland, fue sin duda un hombre frustrado. Su conversión al catolicismo durante su adolescencia en París, le supuso el rechazo para el cargo de músico de corte en 1594, por lo que decide abandonar Inglaterra. Recorre Europa adquiriendo gran reputación y mucho provecho en los conciertos que dio ante el duque de Brunswick en Wolfenbüttel o ante el landgrave de Hesse en Kassel. Sus viajes por Europa le llevaron a Nürnberg, Florencia, Genova y Venecia.
Renaissance favorites for Guitar
David Russell
1 - Fantasia X
2 - Cuatro Diferencias Sobre Guardame las Vacas
3 - Diferencias de Condes Claros
4 - The Woods so Wild
5 - Lost in my LIberty
6 - Fantasia
7 - Semper Dowland semper Dolens
8 - Dowland Galliard´s
9 - Melancoly Galliard´s
10 - Lady Hunsdo´s Puffe
11 -Lachrimae
12 - The Most Sacred Queen Elizabeth
13 - Go from my Window
14 - Come Away
15 - Can she excuse
16 - Piper´s Pavan
17 - Captain Digore Piper´s Galliard
18 - Fancy No. 1 -
19 - Fancy No. 2
20 - Fantasia XIII
21 - Ricercare III
22 - Fantasia VI
23 -Ricercare L VII
24 - Peschatore che van cantando
25 - Saltarello de la Predritta
26 - Piva
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Aporte Rosario Formoso, Tacuarembó - Uruguay

CARULLI... Complete Works for Guitar & Fortepiano

2008-10-13T09:01:00.008-05:00

Datos biográficos, cortesía de wikipedia

Ferdinando Maria Meinrado Francesco Pascale Rosario Carulli (Nápoles, 9 de febrero de 1770 — París, 17 de febrero de 1841), fue un compositor y guitarrista italiano, considerado como uno de los mejores profesores de la historia de la guitarra. Muchas de sus más de cuatrocientas piezas se utilizan como métodos de aprendizaje y perfeccionamiento de las técnicas para manejar este instrumento, Nació en Nápoles en 1770, en el seno de una familia acomodada. Como muchos jóvenes de la época aprendió la teoría musical con un sacerdote músico aficionado, siendo su primer instrumento el violonchelo. Pero cuando a la edad de 20 años descubrió la guitarra, abandonó el violonchelo y se dedicó por entero a dicho instrumento.

Por aquel entonces no existían auténticos profesores de guitarra en Nápoles, lo que le obligó a desarrollar su propio estilo y técnica. Con posterioridad él mismo publicaría su método, que ha permanecido hasta la actualidad como material didáctico de referencia para la guitarra.
Sus conciertos en Nápoles le dieron la suficiente popularidad para empezar las giras por el resto de Europa. Sobre 1801 Carulli se casó con la francesa Marie-Josephine Boyer, con quien tuvo su hijo Gustavo. Luego se trasladó a Milán, donde publicó algunas de sus obras. Su enorme popularidad hizo que en 1808 se trasladara a París, donde permanecería el resto de sus días componiendo y ejerciendo el profesorado de guitarra. Falleció en esa ciudad el 17 de febrero de 1841.

La primera mitad del siglo XIX experimentó un surgimiento del interés en la guitarra, fomentado por virtuosos que además de componer, desarrollaban "métodos" para los aspirantes. París, como centro para los aficonados a la guitarra atrajo luminarias tales como el madrileño Dionisio Aguado, el barcelonés Fernando Sor (quien también estuvo algún tiempo en Londres), el nacido en Francia Napoleón Coste, el florentino Matteo Carcassi y Carulli. quien se volvió el guitarrista más prominente de la ciudad -ocasionalmente rivalizando con Carcassi- hasta que en 1823 Sor arribó a la capital francesa. Su éxito se basó en que fue el primer guitarrista que creó escuela y que utilizó este instrumento para ejecuciones artísticas. Asimismo trabajó con el guitarrero francés Lacote en el perfeccionamiento de la sonoridad del instrumento. Entre sus muchos trabajos, el más famoso y que contiene muchas piezas de fácil ejecución es su método "Armonía Aplicada a la Guitarra" de 1825, una serie de piezas aplicadas a la enseñanza que todavía hoy son vigentes. Su pieza musical para guitarra titulada Los tres días (1830), describe los días de la revolución de París de 1830.

Ferdinando Carulli: Complete Works for Guitar & Fortepiano
Leopoldo Saracino (guitar), Massimo Palumbo (fortepiano)

Vol. I

Gran Duo in E minor op.86
1.-Allegro
2.-Largo
3.-Allegro
Trois Petis Duos op.92
Number One in C major
4.-Moderato Assai
5.-Rondò poco allegretto
Number Two in G major
6.-Andante sostenuto con variazioni
7.-Allegretto
Number Three in D major
8.-Largo. Allegretto
9.-Allegretto con poco moto
Gran Duo in D major op.70
10.-Moderato
11.-Largo
12.-Allegretto con poco moto. Andante. Allegretto con poco moto (Dañado no incluído)
Trois Valzer op.32
13.-Valze n.1 in G major
14.-Valze n.2 in D major
15.-Valze n.3 in A major

Vol. II
1.-Melange on Rossini’s themes op.236
Deux Nocturnes op.131
2.-First Nocturne in A major Largo. Allegro. Larghetto. Allegro
3.-Second Nocturne in D major Largo. Allegro. Larghetto. Allegro
Duo in D major op.37
4.-Moderato
5.-Romanza. Andante sostenuto
6.-Presto
7.-Poco allegretto
Trois Sonatines op.196b Sonatine n.1 in F major
8.-Larghetto espressivo
9.-Allegretto
Sonatine n.2 in C major
10.-Larghetto
11.-Allegretto
Sonatine n.3 in G major
12.-Andante sostenuto (Dañado no incluido)
13.-Allegretto

Vol. III
Duo in C major op.11
1.-Allegro
2.-Larghetto con variazioni
3.-Rondeau allegretto
4.-Variations de Beethoven in F major op.169
Nocturne in G major op.127
5.-Largo. Moderato
6.-Larghetto con variazioni
7.-Moderato
Gran Duo in A major op.45
8.-Allegro
9.-Adagio
10.-Allegro (Dañado no incluido)

Vol. IV
Deux Duos sur des thèmes de Rossini op.233
First Duo in D major
1.-Larghetto con variazioni
2.-Allegretto
Second Duo in A major
3.-Largo. Andante con variazioni
4.-Allegretto
Duo in D major op.134
5.-Larghetto
6.-Rondò poco allegretto
Duo in C major op.135
7.-Moderato assai (Dañado no incluido)
8.-Larghetto sostenuto
9.-Allegro
Duo in C major op.130
10.-Larghetto
11.-Rondeau andante
Duo in G major op.151
12.-Andantino (Dañado no incluido)
13.-Rondeau allegretto

Vol. V
Choix de douze ouvertures de Rossini - Part One
1.-Cenerentola, ouverture
2.-Bianca e Falliero, ouverture
3.-L’Italiana in Algeri, ouverture
4.-Tancredi, ouverture
5.-Otello, ouverture
6.-L’Inganno felice, ouverture

Vol. VI
Choix de douze ouvertures de Rossini - Part Two

1.-Il Barbiere di Siviglia, ouverture

2.-La Gazza Ladra, ouverture

3.-Semiramide, ouverture

4.-Torvaldo e Dorriska, ouverture

5.-Edoardo e Cristina, ouverture

6.-Armida, ouverture
Vol. VII
Duo in A major op.189 n.1

1.-Largo

2.-AllegrettoDuo in G major op.189 n.2

3.-Larghetto

4.-AllegrettoDuo in D major op. 189 n.3

5.-Andante Maestoso. Andante. Andante MaestosoDuo in A major op.65

6.-Moderato

7.-Adagio

8.-AllegrettoNocturno in A major op.208

9.-Largo

10.-Allegretto

11.-Rondò in D major
Vol. VIII
Gran Duo in A major op.63

1.-Moderato

2.-Romance. Allegro

3.-Andante con variazioni

4.-Polonese

5.-Grande Marche composée sur Agthe in C major op.161

6.-Grande Marche de Ries in D major op.168

7.-Fantasie composée differents motifs de Fiorella, musique de Auber in A major sur Solo in D major op.207 n.1

8.-Allegro

9.-Larghetto con variazioni

10.-Tempo primo allegro

Parte 1, Parte 2, Parte 3, Parte 4

Aporte, Miguel Algalan, México D.F.

Vivaldi Guitar Concertos… Los Romero

2008-10-05T21:44:00.007-05:00

Datos Biográficos, cortesía de Biografiasyvidas.com

Antonio Vivaldi (Venecia, 1678 - Viena, 1741) Compositor y violinista italiano. Igor Stravinski comentó en una ocasión que Vivaldi no había escrito nunca quinientos conciertos, sino «quinientas veces el mismo concierto». No deja de ser cierto en lo que concierne al original e inconfundible tono que el compositor veneciano supo imprimir a su música y que la hace rápidamente reconocible.
Autor prolífico, la producción de Vivaldi abarca no sólo el género concertante, sino también abundante música de cámara, vocal y operística. Célebre sobre todo por sus cuatro conciertos para violín y orquesta reunidos bajo el título Las cuatro estaciones, cuya fama ha eclipsado otras de sus obras igualmente valiosas, si no más, Vivaldi es por derecho propio uno de los más grandes compositores del período barroco, impulsor de la llamada Escuela veneciana –a la que también pertenecieron Tommaso Albinoni y los hermanos Benedetto y Alessandro Marcello– y equiparable, por la calidad y originalidad de su aportación, a sus contemporáneos Bach y Haendel. Poco se sabe de su infancia de Vivaldi. Hijo del violinista Giovanni Battista Vivaldi, el pequeño Antonio se inició en el mundo de la música probablemente de la mano de su padre. Orientado hacia la carrera eclesiástica, fue ordenado sacerdote en 1703, aunque sólo un año más tarde se vio obligado a renunciar a celebrar misa a consecuencia de una enfermedad bronquial, posiblemente asma. También en 1703 ingresó como profesor de violín en el Pio Ospedale della Pietà, una institución destinada a formar muchachas huérfanas. Ligado durante largos años a ella, muchas de sus composiciones fueron interpretadas por primera vez por su orquesta femenina. En este marco vieron la luz sus primeras obras, como las Suonate da camera Op. 1, publicadas en 1705, y los doce conciertos que conforman la colección L’estro armonico Op. 3, publicada en Amsterdam en 1711.
Con ellas, Antonio Vivaldi alcanzó renombre en poco tiempo en todo el territorio italiano, desde donde su nombradía se extendió al resto del continente europeo, y no sólo como compositor, sino también, y no en menor medida, como violinista, uno de los más grandes de su tiempo. Basta con observar las dificultades de las partes solistas de sus conciertos o sus sonatas de cámara para advertir el nivel técnico del músico en este campo. Conocido y solicitado, la ópera, el único género que garantizaba grandes beneficios a los compositores de la época, atrajo también la atención de Vivaldi, a pesar de que su condición de eclesiástico en principio le impedía abordar un espectáculo considerado en exceso mundano y poco edificante. De hecho, sus superiores siempre recriminaron a Vivaldi su escasa dedicación al culto y sus costumbres laxas.
Inmerso en el mundo teatral como compositor y empresario, Ottone in Villa fue la primera de las óperas de Vivaldi de la que se tiene noticia. A ella siguieron títulos como Orlando furioso, Armida al campo d’Egitto, Tito Manlio y L’Olimpiade, hoy día sólo esporádicamente representados. La fama del músico alcanzó la cúspide en el meridiano de su vida con la publicación de sus más importantes colecciones instrumentales, Il cimento dell’armonia e dell’inventione Op. 8, en la que se incluyen Las cuatro estaciones, y La cetra Op. 9. Pero a fines de la década de 1730 el público veneciano empezó a mostrar menor interés por su música, por lo que Vivaldi decidió probar fortuna en Viena, donde murió en la más absoluta pobreza un mes después de su llegada. A pesar de este triste final y de un largo período de olvido, la obra de Vivaldi contribuyó a sentar las bases de lo que sería la música de los maestros del clasicismo, sobre todo en Francia, y a consolidar la estructura del concierto solista.

Vivaldi Guitar Concertos

Los Romero Guitar Quartet
1. Concerto RV 580 in B minor - Op.3 ''L'estro armonico'' No.10

Allegro, Largo-Larghetto-Adagio-Lento, Allegro

2. Concerto RV 532 in G for 2 guitars, strings and continuo

Allegro, Andante, Allegro

3. Concerto RV 356 in A minor - Op.3 ''L'estro armonico'' No.6

Allegro, Largo, Allegro

4. Concerto RV 425 in C

Allegro, Largo, Allegro

5. Concerto RV 93 in D

Allegro, Largo, Allegro

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Aporte, Miguel Algalan - México D.F.

PLAYS BACH... Christopher Parkening

2008-09-14T06:50:00.011-05:00

Datos Biográficos, Cortesía de Parkening.com

Christopher Parkening (1947 EUA), Guitarrista clásico. Creció en Los Ángeles, California, y empezó a tocar guitarra a los 11 años gracias a la inspiración de su primo, Jack Marshall, quien era guitarrista de planta en los estudios MGM. Gracias a él conoció grabaciones de Andrés, y su gusto por este guitarrista lo llevó a comenzar a estudiar la guitarra clásica. Cuatro años después, a la edad de 15 años, fue invitado a participar en una clase magistral impartida por el ya citado maestro Andrés Segovia, en la Universidad de California en Berkeley. Gracias a esta clase, tuvo la buena fortuna de que Segovia lo aceptara como alumno privado. A los 19 firmó un contrato con Capitol Records por una serie de seis grabaciones discográficas y fue requerido para comenzar el departamento de guitarra en la Universidad del Sur de California. El año siguiente firmó un contrato para una extensa gira a través de los EUA, Canadá, Europa y Asia.

Al cumplir 30 se retiró completamente de los escenarios para dedicarse a la vida en el campo, y cuatro años después regresó -no sin dificultades- a la escena Guitarrística. Ha hecho cerca de 20 grabaciones y ha editado varios libros y colecciones de partituras. Se le considera uno de los mejores guitarristas clásicos de los últimos 25 años..Ha recibido 3 nominaciones al Grammy de instrumentistas clásicos. Parkening ha recibido los elogios que honran su trabajo artístico, incluyendo un Honorary Doctorate en música de la universidad del estado de Montana y la concesión Outstanding Alumnus Award de la Universidad Southern California "en reconocimiento a su excepcional logro internacional y en tributo a su labor como virtuoso preeminente de la guitarra clásica en América.
En la actualidad compatibiliza un promedio de 80 conciertos anuales con el master class que imparte en verano en la Univ. del Estado de Montana, de la que es Doctor Honorario. En la actualidad tiene un repertorio que va desde Bach, y Mozart a Joaquín Rodrigo y Villa-Lobos, incluyendo compositores actuales. Se le considera un heredero directo de Segovia. Parkening ha sido Solista invitado con las más prestigiosas orquestas de los Estados Unidos, incluyendo las orquestas de Philadelphia, Cleveland, Minnesota, Chicago, Pittsburgh, y las orquestas sinfonicas, de Detroit, Houston, Oregon, St. Louis, St. Paul y las orquestas de Los Ángeles.

PARKENING PLAYS BACH
Virtuoso Music for Guitar

1. Jesu, Joy of Man's Desiring - Cantata 147
2. Gavotte from Partita - BWV 1006
3. Prelude I - BWV 846a
4. Prelude VI - BWV 851a
5. Prelude IX from - BWV 854a
6. Sheep May Safely Graze from Cantata 208
7. Prelude and Allegro from BWV 998
8. Gavotte I & II from Cello Suite BWV 1011
9. Gavotte I & II from Cello Suite BWV 1012
10. Sleepers, Awake from Cantata 140
11. Sarabande and Variations
12. Minuet in D
13. Giga
14. Passacaglia
15. Les Barricades mysterieuses
16. Preambulo and Allegro vivo
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Aporte de Rosario Formoso, Tacuarembó - Uruguay

COLLECTION... David Russell

2008-08-29T23:20:00.022-05:00

Entrevista (Apartes), cortesía de artelinkado

David Russell (Biográfia Guidáctica). Tras cruzar la península en avión, instalarse y dar una agotadora tarde de clases, David nos dedica su tiempo con una amabilidad y paciencia infinitas. En su hotel encontramos un ambiente tranquilo y relajado que nos parece ideal para crear la atmósfera buscada para esta entrevista y tras charlar distendidamente durante un buen rato damos comienzo a la misma; Por José Mari Bailo, Febrero - Mayo 2007.
- Quizá antes de nada deberíamos hablar de que tu esposa y tú habéis fundado una ONG, la David and María Russell Rights profit Organization. ¿Cuáles son sus objetivos y en qué proyectos estáis trabajando?
De momento nos dedicamos a financiar pozos de agua en África. Seguramente en el futuro ampliaremos… haremos otras cosas, pero lo de los pozos es algo muy concreto y muy fácil en lo que concentrarnos, además de que el precio por cada uno de ellos no es tanto y entre todos hay muchas maneras de reunir 1500, 2000 euros o lo que haga falta, lograr un pozo más y cuando conseguimos esto vamos a por el siguiente. Todo empezó originalmente con un grupo de amigos en Italia, porque lo del “Right Profit” es la parte italiana. Nosotros ahora tenemos en España una ONGD, que es Organización No Gubernamental para el Desarrollo que acaba de empezar* y que se llama ONGD DAVID RUSSELL Y MARIA JESUS. Es un poco porque para mucha gente, claro, si ellos nos dan un dinero tienen confianza en mí porque me conocen, bien por mi nombre o por lo que sea… pues nosotros decidimos que era más justo que lo manejáramos directamente nosotros. Ahora, con los italianos seguimos colaborando, tenemos un festival allí cerca de Peruggia, en Cittá della Pieve y este año vienen Marco Socías y Raphaella Smits y cada año traeremos a más gente. Lo que sacamos del Festival vale para hacer un pozo. La semana pasada en Vigo, por ejemplo, tuvimos unos premios muy bonitos, además fueron unos días preciosos en el Conservatorio. Margarita Escarpa es profesora allí y ella es la que lo organizó todo. Son premios diferentes al concurso habitual en el que sólo gana uno, además de que son puramente honoríficos y de hecho se llevan sólo un diploma en el que dice que ganaron. También de allí, con todas las inscripciones, sacamos bastante como para hacer otro pozo. Así es más o menos como ha empezado y como se ha desarrollado este proyecto.
* Nota: se está refiriendo a Febrero, que es cuando se realizó esta entrevista.
- Que tu esposa María Jesús es parte fundamental de tu carrera tanto como lo es de tu vida es algo bien sabido. Pero no es tan conocido el que ella abandonó una prometedora carrera como guitarrista para estar contigo ¿Es ella (salvando las comparaciones) en cierto modo la Clara Schümann de la guitarra?
¡¡NO!! Contesta María Jesús inmediatamente – (risas)
María Jesús en la Guitarra a veces me da unas lecciones muy especiales. Ella toca sólo porque quiere tocar, no porque tenga que hacerlo en público o grabar, etc. Ella decide… me quiero aprender la Chaconne de Bach, pues se la aprende y los días que estudia es porque quiere. Pero también tiene estudios universitarios como filóloga, que había hecho ya antes de finalizar la carrera de Guitarra, que la terminó con José Tomás en sus últimos años.
Lo bueno es que nosotros viajamos siempre juntos a todas partes y ella como guitarrista puede vivir dentro de este mundo y forma parte de él. Si María Jesús no tuviese nada que ver con la Guitarra o sólo fuese una amante de la música se le haría difícil, porque lo nuestro es un rollo bastante “incestuoso” en el sentido social, ya que siempre somos los mismos los que estamos allí metidos. Pero ella disfruta del cotilleo guitarrístico y de toda la parte social de este mundo nuestro más aún que yo, porque lo comprende desde dentro.
- ¿Cómo te ves a ti mismo cuando tengas 80 años?
¡¡Yo con verme ya estaré contento!! No lo sé, la verdad es que ahora este invierno hemos tenido primero a mi padre, después a mi madre… y en casa de María Jesús está su abuela que tiene 96 años y su tío-abuelo que tiene 94. Quiero decir, que estamos viviendo con bastante gente mayor, mis padres tienen más de ochenta y eso te hace bastante consciente. Precisamente yo no había visto a mi padre en años y aunque chocan un poco los cambios, pienso al mismo tiempo que la gente mayor tiene muchas cosas que ofrecer a la vida y esperemos que la aceleración de la sociedad no los haga redundantes. Espero que cuando llegue mi momento los que seremos entonces la gente mayor aún tengamos algo que aportar, pero eso es una cosa que tal vez esta sociedad de ahora no está valorando bastante. Las sociedades antiguas valoraban a los ancianos porque en general sabían más, pero ahora la velocidad de la sociedad hace que muchas veces los mayores no sepan tanto de las cosas que les interesan a los jóvenes, especialmente de las nuevas tecnologías. Pero bueno, habrá otras cosas que espero poder aportar.
- ¿En qué ha cambiado tu forma de afrontar el escenario de cuando tenías 20 años a ahora?
Supongo que me da menos miedo… pero era más atrevido a los 20. Entonces, aunque tenía más miedo me atrevía a hacer cosas que tal vez ahora diría… ¡pero bueno, ten más sentido común!
- Te criaste en un ambiente eminentemente “bohemio”, porque tanto tus padres como hermanos y hermanas cultivaban una u otra faceta artística. De niño además tocabas el violín y la trompa. ¿Con esos antecedentes estabas “condenado” a vivir sobre el escenario? …quizá por culpa de la guitarra el mundo perdió a un gran trompa por el camino.
Más que de niño, eso lo hice ya cuando quise matricularme en la Royal Academy en Londres, pero te aseguro que no se perdió nada, porque las trompas tuve que aguantarlas igual (risas). Ahora en serio, la trompa la utilicé para entrar en la Royal Academy of Music porque ellos sólo admitían uno o dos guitarristas por año. Como yo ya sabía esto y parece que con la trompa había más posibilidades hice el examen de admisión en las dos asignaturas y como me aceptaron en ambas dije que prefería ser guitarrista antes que trompa, porque yo no había crecido con ella como mi instrumento. Yo era guitarrista interiormente y aunque la Trompa es un instrumento precioso, saber que te vas a expresar durante toda tu vida musical con dos octavas… además de que al salirte de ellas todo lo demás es dificilísimo. Es un instrumento con mucha dificultad. Sin duda mis antecedentes familiares me encaminaban hacia una vida artística, está claro, pero yo no sé si lo de estar en el escenario… yo de niño era muy tímido, demasiado. Supongo que como muchos otros, pero cuando tenía la guitarra en la mano veía que aquello era algo que yo hacía bien y era como MI momento. Por mi casa pasaban muchos artistas y filósofos y todos hablaban de cosas de las que yo no sabía qué decir, pero cogía la guitarra, tocaba algo de Villa-Lobos y era una cosa bonita. La guitarra me sirvió mucho para “salir del cascarón” y perder aquella timidez.

- ¿Ha sentido David Russell alguna vez por alguien la misma idolatría que hoy le profesa tanta gente?
Sí, yo tuve mis ídolos, claro. Dentro de la guitarra, primero, Andrés Segovia, sin conocerlo, pero a través de los discos que tenía mi padre, y después conocí a Bream. Mi abuela me enviaba a Menorca algún disco de vez en cuando y los que llegaban eran de él; entonces, cuando fui a Londres por primera vez y toqué para Bream fue como un paso menos que tocar para Dios. Fue bonito porque además se mostraba muy generoso y agradable con todos los que tocábamos para él.
- ¿Cómo consigue alguien que ya ha logrado todo nuevos retos que le motiven? ¿De dónde surge la “inspiración” para seguir haciendo lo que tú haces tal y como tú lo haces?
¡Es que nuestra vida es muy bonita!... y mantener lo que hacemos vale la pena.
Es difícil hacer un concierto, pero el estímulo, cuando sale bien, lo que te devuelve el público al final, es mucho. Entiendo por qué Andrés Segovia tocó prácticamente hasta que se murió; aunque María Jesús me dice que yo no lo voy a hacer, que me va a parar antes. No es por la adulación, que es una droga, no es por esto. A mí no me gusta que me adulen y hoy en día eso socialmente no se lleva en general, pero el aplauso, especialmente cuando te sale bien y sabes interiormente que te lo mereces, eso te llena mucho y vale la pena. Además a mí me encanta esa sensación, mira, yo no tengo que levantarme a las tantas para estar a las 9 de la mañana en una oficina, o para cavar y poner ladrillos, etc. Hago mi propio horario y soy bastante constante, ahora estudio más que antes y con más cuidado. Disfruto de aprender obras nuevas y de todos los retos que me planteo. Si me quitara estos retos tendría que buscar otros y tal vez eso sería más peligroso para la salud. Estos retos son peligrosos solo para el ego, te pueden salir bien o mal, esperemos que bien… pero me llenan y me siguen llenando. Espero que esto no se acabe, porque tengo amigos que sí que han entrado en una época de decepción, que no saben qué obra aprender, dejan de estudiar… eso es triste. Yo quiero seguir manteniendo esta ilusión si puede ser.

¿Qué atractivos hallas en el estudio de grabación que no encuentras en el escenario y viceversa?
Son cosas muy diferentes... al final una de ellas es como hacer teatro y la otra como hacer cine. Cuando das un concierto lo más importante es cómo conectas y qué transmites al público. En la grabación de un disco tienes un reto, porque la gente piensa y dice: “bueno, si te equivocas, como puedes repetir…”, pero al mismo tiempo ya no tienes ninguna excusa. Es decir, ahora tienes la oportunidad de hacer tu mejor grabación, de dar lo mejor que de verdad puedes dar y si no te sale bien es porque no sabes tocar mejor. Un mal guitarrista hace malos discos sin fallos, lo único que puedes hacer es simplemente limpiar esos errores… quitas los cerdeos y lo vuelves a tocar si te equivocas… eso lo puedes quitar, pero no puedes añadir musicalidad, interpretación o personalidad. Eso es algo que tienes que tener porque no lo puedes añadir. El reto de la grabación es algo muy grande y que a mí me encanta, porque con los años aprendí a acercarme más a lo que yo de verdad quería y quiero y con algunos de mis últimos discos estoy muy contento, porque me aproximé aún más a esa idea de lo que había conseguido por ejemplo hace quince años… pero el escenario sigue siendo otra cosa. Puedo haber dado conciertos que han sido grandes éxitos pero he estado mucho más fallón que en las grabaciones y otros en los que he tocado limpio como una patena pero no he conseguido conectar con la gente. De esos me voy contento conmigo mismo porque no fallé, pero a la vez me voy triste porque no conecté con el público. Por tanto, lo que yo quiero siempre es conectar pero también que no me salga demasiado sucio. Que profesionalmente esté bien.
- ¿La técnica de la guitarra ya es un “todo unificado” a la manera del violín y el piano (salvo pequeños matices) o todavía prevés avances importantes en este terreno para el futuro?
Hay algunos avances que tal vez parecen un poco excéntricos cuando los vemos… tengo algunos amigos que hacen algunas técnicas un poco “extrañas” que tal vez llegarán a formar parte de la técnica general, aunque creo que la mayor parte ya está hecha, pero… hay mucha gente joven ahora que son mucho más consistentes y regulares. El nivel está subiendo mucho en comparación con los de mi generación y no digamos ya con los de la de Bream. Al igual que en otros aspectos, pienso que cada generación tiene que encontrar un repertorio y un público propios. Este es el reto para los jóvenes que ya tocan muy bien… el presentar la guitarra a un público que ya no es el mismo que el mío, sino otros jóvenes con una visión diferente de cómo es la sociedad.
- ¿En qué momento de tu vida fuiste plenamente consciente de que te habías convertido en uno de los pilares fundamentales de la historia de la guitarra?*
Quizá sólo en los últimos años, hasta ahora para nada… y en parte es el Grammy, que hace mucho, porque incrementó mucho el interés por mí, no sólo el de los guitarristas, sino también fuera del mundo de la guitarra. Yo hago un par de entrevistas por semana, a veces más. Voy a dar un concierto a algún sitio y tengo que hacer cuatro entrevistas antes de tocar. Esto antes del premio no era así... ha habido un cambio, llamémosle el “efecto Grammy”. Ahora bien, yo creo que hay que hacer mucho para llegar a ser de verdad como tú dices un pilar de la historia de la guitarra, pero también cada generación tiene su turno o su vez. Julian Bream se va haciendo mayor y desde luego John Williams aún toca de maravilla, pero tiene quince años más que yo… por tanto yo voy a ser de los viejos conocidos y los jóvenes vienen por detrás empujando. Lo que ocurre es que en un abrir y cerrar de ojos pasas de ser “joven promesa” a ser “vieja gloria”, y por ahí en medio se fue el tiempo. Ahí es donde me siento yo y lo estoy disfrutando. No quiero llegar a ser una “vieja gloria”.
* Nota: Quiero hacer constar que cuando le planteamos esta pregunta él se muestra reacio a considerarse a sí mismo una figura de la importancia que nosotros le damos.

- ¿Qué significó la figura de José Tomás en tu formación como guitarrista?
Para mí, mucho, le tenía mucho cariño porque fue fundamental en mi desarrollo cuando llegué a Santiago. La verdad es que al terminar mis años de estudio en la Royal Academy de Londres acabé muy decepcionado con mi propio desarrollo y con la situación que viví allí. Tuve la suerte de vivir en casa de unos músicos, con Manny Hurwitz, que era un gran violinista, y ellos me animaron bastante. Es lo que suele suceder cuando de repente sales de una institución como la Royal Academy, que te sientes muy desamparado. Pero aunque yo no la había pedido me dieron una beca para asistir a los cursos de Santiago de Compostela. Fue la propia Royal Academy la que me ofreció la posibilidad de acudir y yo la acepté, aunque pensando que iba a asistir a la cátedra de Andrés Segovia, pero al llegar me dijeron que tenía que estudiar con José Tomás*. Yo desde luego había oído hablar de él… Gabriel Estarellas por ejemplo había estudiado con él, era un amigo de siempre.
Pues bien, la primera cosa que toqué para él fue la Danza española Nº 10 de Granados, y José Tomás, que tenía la costumbre de escribir letras para la melodía de bastantes obras, tal como comencé a tocar empezó a cantar en valenciano acompañándome. Yo tenía cara de extranjero y él no me conocía de nada, así que imagínate cómo se sorprendió cuando yo me paré y le respondí en menorquín. A partir de aquel momento ya nos llevamos muy bien.
* Nota: José Tomás fue durante algunos años asistente de Andrés Segovia en la Cátedra de Guitarra de los “Cursos universitarios de música española en Compostela” y posteriormente, desde 1964 hasta finales de la década de los 70, profesor titular de la misma. Hoy en día dicho cargo lo desempeña con gran maestría José Luís Rodrigo, catedrático del RCSM de Madrid.
- ¿Estableces alguna diferencia entre ser un “gran artista” y un “gran músico”? En caso afirmativo, ¿el ideal es buscar la equidistancia entre ambos puntos?
… Es que el gran músico tiene que ser gran artista y la mayoría de los grandes artistas son gente interesante, gente que tiene la mente abierta a muchas cosas, porque tienes que dominar muchas facetas para producir arte y tener personalidad en tu música, por tanto para mí ambas facetas van juntas.

- Durante los últimos 20 años los máximos exponentes mundiales de la guitarra habéis sido gente de la talla de Williams, Barrueco, Aussel, tú mismo… ¿Qué rasgos os diferencian y cuáles os asemejan a las primeras figuras de la generación actual?
Si te das cuenta, cada nuevo guitarrista que destaca suele ser muy individual, suele tener algo que no aparece en nadie más que en él. Yo creo que de los jóvenes que están saliendo, los que van a tener éxito son los que tienen algo diferente a nosotros y diferente al mismo tiempo a sus compañeros de generación; son los que ofrecen algo nuevo. El público siempre busca lo nuevo y no quiere necesariamente alguien que toque no sólo en repertorio, sino que tenga personalidad sobre el escenario. Creo que el reto para los más jóvenes -y sobre todo para los que ya tienen 30 años, porque si no es ahora se les escapa el tren-, es buscar precisamente eso. No quiero mencionar nombres, pero la mayoría de los que están empezando a despuntar en los festivales son aquellos que tienen algo suyo que decir, algo original. Con las mismas obras que tocamos nosotros pero con un enfoque propio y nuevo. Creo que eso es algo que vale la pena.
¿Qué panorama auguras para la guitarra a corto o medio plazo?
Cuando llegue ese cambio en la manera de difundir la música del que te hablaba antes se van a abrir nuevas puertas. Es como cuando desaparecieron los discos de vinilo, que en cierto modo a los que ya habían grabado muchos discos de este tipo se les acabó la cuerda, y tal vez los que hemos hecho mucho en CD cuando llegue este cambio no lo acusemos tanto. Lo van a notar todavía más los siguientes de la lista, que no están logrando entrar y establecerse en el mercado. Quizá graben algún CD con alguna discográfica pequeña, pero saldrán compañías grandes de “música virtual” o algo similar, que no sé cómo se llamará, pero que absorberán todo el mercado. Ahí es donde tendrán que buscar su oportunidad y su momento. Ahora bien, pienso que tenemos que luchar porque todo está cambiando: toda la televisión viene por satélite, Internet también está haciendo accesibles muchas cosas que no lo eran hasta hace poco tiempo… hay una globalización total. Creo que en el futuro va a ser bastante difícil para los guitarristas jóvenes el vivir exclusivamente de tocar, pero también lo era antes. Si quitamos a John Williams, Pepe Romero y todos estos, ¿cuántos guitarristas más lo hacen?
Yo no tengo ningún trabajo, todos mis amigos sí que lo tienen, en las universidades o donde sea. Por una razón o por otra soy casi el único que sólo hago conciertos, hay otros, pero son pocos. De mis amigos íntimos están los Assad, pero éstos también dan clase en varios sitios. Voy a empezar pronto una cátedra en Tucson, donde daré clases un par de semanas más o menos durante mi gira por los Estados Unidos, va a ser algo parecido a la de Almería. Yo no quiero estar atado, es decir, me encanta dar clases, y las doy con entusiasmo, precisamente porque no doy clases. Entonces, me pones delante de un alumno y se me olvida el reloj porque estoy entregado y porque no estoy aburrido. Quiero que eso siga siendo así, dando muchas masterclasses y teniendo un poquito de influencia pero en mucha gente, mientras que el profesor habitual tiene mucha influencia pero en pocos alumnos. Es otra manera de enfocar las cosas, yo me veo como un complemento al trabajo de estos profesores y ya está.
Me preguntabas por el futuro para los jóvenes… pues se lo van a tener que inventar ellos mismos, en cierto modo como hicimos nosotros. Si es haciendo más festivales de guitarra o más cosas similares, ya que no entramos suficientemente en el circuito sinfónico, pues se hacen. Anteayer toqué en la filarmónica de Bilbao, así que a la larga también vamos presentándonos allí. Ves a Alirio Díaz, a Segovia, a John Williams y a Bream y te dices… ¡ah, pues muy bien! Llegar se llega, pero igual hay que hacerlo a los 50 años en lugar de a los 30.
De los de ahora, los que de verdad tocan bien, siguen y tienen personalidad, van a tener trabajo y van a tener que tallar su propio espacio. Pero no va a ser el mismo que el mío ni el de Manuel Barrueco o John Williams, creo que eso explica lo que siento. Ahora... no va a ser fácil, pero tampoco lo fue para nosotros. Yo viví como un estudiante hasta los treinta y tantos años; mis amigos se metieron en familias, hipotecas, en comprarse un coche y todo aquello. Se pusieron a dar clases y ya no tocaron un concierto más. Así que lo mío debe ser porque nadie me dio trabajo ni se casó conmigo… fue la casualidad, no que no me quisiera casar (risas). Me dije: yo voy a seguir aquí sufriendo y sin comer porque sólo quiero hacer conciertos.
Y ya para terminar… ¿Conoces el chiste del guitarrista que gana la lotería?...le pregunta un amigo: ¿y ahora qué vas a hacer con todo ese dinero?... y éste le contesta: “pues voy a tocar conciertos hasta que se me acabe”.

AIRE LATINO

Latin American music for Guitar
Album que en el año 2005 lo hiciese merecedor al Grammy en la categoría de mejor solista instrumental en música clásica.

1. Danza Brasilera
2. Romance Criollo
3. Sonatina
Allegretto, Andante Espressivo, Allegro
4. Alfonsina y el Mar
5. La Cuartelera
6. Choro da Saudade
7. Rebólico
8. Sons the Carrilhoes
9. Interrogando
10. Xodo da Baiana
11. Se Ela Preguntar
12. Seis por Derecho
13. Lejania
14. Choro No. 1
15. Choro No. 1, Tipico Brasileiro
16. Milonga
17. Vals Peruano
18. Chopi
19. Scherzino Mexicano
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SPANISH LEGENDS
David Russell

1. Sainz de la Maza
Zapateado, Rondeña
2. Diez Canciones Populares Catalanas
3. Andrés Segovia
EStudio sin Luz, Anécdotas 2, 5, Remembranza
4. Emilio Pujol
Seguidilla, Impromptu, Triquilandia, El Abejorro
Canción amatoria, Festívola, Tango, Tonadilla, Guajira
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PLAY´S BACH
David Russell

1-3. Prelude, Fugue, and Allegro, BWV 998
4. Choral Prelude, "Wachet auf, ruft uns die Stimme", BWV 645
Partita No. 2, BWV 1004
5. Allemande
6. Courante
7. Sarabande
8. Gigue
9. Chaconne
Suite for Lute, BWV 1006a
10. Preludio
11. Loure
12. Gavotte en Rondeau
13. Menuets I &II
14. Bourree
15. Gigue
16. Chorale Prelude,
"Jesus bleibet meine Freude" ("Jesu, Joy of Man's Desiring")
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Aporte Andrés Cusme, Guayaquil - Ecuador

MASTER OF THE GUITAR... Segovia, Williams, Bream

2008-08-24T11:16:00.017-05:00

Datos Biográficos, cortesía de gesdar.com

A quien será considerado maestro de maestros de la Guitarra Clásica, gracias a toda su labor. Andrés Segovia fue incuestionablemente el guitarrista clásico más importante del siglo 20. El eternamente enamorado de su guitarra nació el 18 de febrero de 1894, en el pueblo de Linares, provincia de Jaén al sur de España. Hijo de un humilde carpintero, es probable que de haberse criado con él jamás hubiera podido seguir su vocación musical. Sin embargo, el destino quiso ponerlo en manos de unos tíos que disfrutaban de una posición económica holgada, y aún así, las cosas no fueron tan sencillas. El estribillo repetido en la infancia de muchos de los grandes músicos de la historia, es que sus familiares no veían con buenos ojos sus afanes artísticos (ellos pensaban que debería tocar un instrumento verdadero, ya que en los años de su niñez la guitarra era un instrumento menospreciado, pues se consideraba propio de los gitanos y sus bailadores). Su familia deseaban el oficio de farmacéutico para él, por lo cual no tuvo más remedio que estudiar guitarra a escondidas. Durante su adolescencia, estuvo en el Instituto de Música de Granada, donde fue ampliando poco a poco el caudal de recursos que le permitió perfeccionar su afición. Y, al paso de los años, se convertiría en el más grande guitarrista clásico del mundo, Andrés seguiría en etapa de preparación no dejando de estudiar y practicar la guitarra al menos cinco horas al día. Su gusto hacia el instrumento, el interés que ponía en su aprendizaje y su natural capacidad fueron la causa del éxito de sus aspiraciones.

En 1910, cuando tenía 16 años, dio su primer concierto, su debut público, en el Centro Artístico de la ciudad de Granada. Presentó un repertorio que el mismo había formado con partituras halladas en bibliotecas públicas y adaptaciones de obras de grandes músicos. Aunque continuó ofreciendo recitales, fue una presentación ofrecida en Madrid en 1913 la que Segovia consideró como su debut. Como no tenía una buena guitarra, decidió rentar una y el resultado fue un éxito clamoroso. Once años más tarde, en París, se presentaría ya como un virtuoso internacional. Tenía 31 años y era el mejor guitarrista del mundo. Su gira por América del Sur en 1919 causó sensación, al igual que sus debut en París (1924), Moscú (1926) y Nueva York (1928), dónde sorprendió a la audiencia con su técnica y su habilidad musical. A le vez que viajaba, tanto él como la guitarra, incrementaron su popularidad.

Compositores como Heitor Villa-Lobos empezaron a componer piezas originales específicamente para el instrumento. Con sus texturas de oscuridad y melancolía de disonancia y frases de chelo, las composiciones de Villa-Lobos en particular parecían acomodarse a la guitarra perfectamente. Por petición suya han escrito obras para guitarra y orquesta los maestros Rodrigo, Ponce entre otros. Segovia también transcribió trabajos originalmente escritos para otros instrumentos, incluyendo muchos de ellos de Johann Sebastian Bach. De hecho su trascripción del chaconne de Bach, el cual es uno de los más famosos y más difíciles para dominar, hacia parecer que el compositor había pretendido que fuera tocada por una guitarra en vez de un violín. Segovia además de ser un genial virtuoso de la guitarra abrió camino para que este instrumento fuese reconocido como una joya musical en obras de grandes maestros compositores y arreglistas de música de todos los tiempos. "Desde mis años de joven" - escribió - "soñaba elevar a la guitarra de su triste nivel artístico en el que estaba. Desde entonces he dedicado mi vida a cuatro esenciales tareas. La primera: separar la guitarra del prototipo de entretenimiento tradicional. Mi segundo propósito: dar a conocer la belleza de la guitarra al público del mundo entero. La tercera tarea: influenciar a las autoridades de conservatorios, academias, y universidades para que incluyeran a la guitarra en sus programas de enseñanza a la par con los de violín, chelo, piano, etc. Y mi cuarto objeto de labor: proveer un repertorio de alta calidad, construido por trabajos poseídos de un alto valor musical, de las plumas de compositores acostumbrados a escribir para orquestas, piano y violín" .

Era aficionado a la lectura; los libros de filosofía e historia eran sus favoritos. Ya entrado en los setentas, había empezado a escribir sus memorias que llevaba como título "La guitarra y yo". Andrés Segovia se casó en tres ocasiones a lo largo de los 94 años que vivió. Las dos primeras veces enviudo, y su tercera esposa, Emilia del Corral, a quien él llamaba cariñosamente Emilita (era cuarenta y cinco años más joven que él) lo acompañó hasta el último momento de su vida. Luego de muchas presentaciones, reconocimientos y aplausos a lo largo y ancho del mundo, el rey de España le otorgó en 1981 el título de Marqués de Salobreña. Seis años después, Segovia trabajaba en su discurso de envestidura como doctor "honoris causa", cuando lo sorprendió la muerte. Tenía 94 años, la mayoría de ellos dedicados a su pasión: la guitarra. La crítica señala que Segovia subordinaba sus facultades a un sentido exquisito del ritmo y del estilo, y poseía la intensa y rara virtud de embellecer las obras que interpretaba con la pureza de su arte. Daba a su interpretación una vida tan intensa que parecía crear de nuevo la música que tocaba.

Esta colección de dos Cd´s reúne parte de quienes fueron y aún continuan siendo los grandes exponentes de este bello instrumento.

MASTER OF THE GUITAR

Segovia, Williams, Romero, Bream,

Yepes, Fernández, Sollscher, Peña

Disco No. 1

1. Allemande, BWV 996 (Bach) - Andrés Segovia
2. Bourée, BWV 996( Bach) - Andrés Segovia
3. Canarios (Sanz) - Alexandre Lagoya
4. Sonata in E major (Scarlatti) - Alexandre Lagoya
5. Variations on a theme by Mozart (Sor) - John Williams
6. Romanza from Sonata in A Major (Paganini) - Eduardo Fernández
7. Sevila (Albeniz) - Angel Romero
8. Asturias (Albeniz) - Narciso Yepes
9. Spanish Dance No. 5 (Granados) - Pepe y Celín Romero
10. Recuerdos de la Alhambra (Tárrega) - Narciso Yepes
11. Homenaje a Tarrega (Turina) - Julian Bream
12. La Catedral (Barrios) - Göran Söllscher
13. Una limonista por el amor de Dios (Barrios) - Alexander Sergei
14. Vals Criollo (Lauro) - John Williams
15. Homenaje "Le tombeau de Debussy" (Falla) - Julian Bream
16. Canción de Cuna (Brouwer) - Göran Söllscher
17. Etude No. 1 (Villa-Lobos) - John Williams
18. Choro No. 1 (Villa-Lobos) - Eduardo Fernández
19. Ayer y Hoy (Peña) - Paco Peña

Disco No. 2

1. Concerto for Guitar in D Major (Vivaldi) - Göran Söllscher
2. Guitar Concerto No. 1 in A Major (Giulliani) - Eduardo Fernández
3. Fantasia para un Gentil Hombre (Rodrigo) - Andrés Segovia
4. Concierto de Aranjuez (Rodrigo) - Pepe Romero

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Aporte, Andrés Cusme, Guayaquil - Ecuador

FOUR SUITES FOR LUTE... Eduardo Fernández

2008-08-17T09:35:00.005-05:00

Eduardo Fernández (Biografía Guidáctica)

Johann Sebastian Bach nace en Eisenach en 1685 y muere en Leipzig en 1750. Compositor alemán procedente de una casta de música, cursó sus estudios generales en el Gimnasium de Eisenach y sus estudios musicales con su hermano Johann Christoph Bach. Trabajó inicialmente como violinista en la orquesta del duque Ernst de Weimar y después fue nombrado organista de Arnstadt. En 1708 se convirtió en músico de cámara y organista de la corte de Weimar, donde compuso sus primeras grandes obras para órgano. Posteriormente se trasladaría a Köthen donde se le permitió componer libremente, realizando así una amplia variedad de obras instrumentales como los Conciertos de Brandemburgo. Esto fue gracias a que se encontraba libre de los requerimiento del servicio religioso bajo el que había compuesto anteriormente.

Bach no se considera a sí mismo como un artista, sino como un fervil sirviente de Dios y aunque compuso para diversas combinaciones de instrumentos y formas musicales, su principal interés radicaba en aquellas de orden religioso. Considerado por músicos de la época como anticuado. Estableció y llevó las bases de la armonía y el contrapunto hasta puntos no alcanzados por sus contemporáneos. Sus tratados musicales como El clave bien temperado y El arte de la fuga contribuyeron grandemente a este logro personal. En 723 ocuparía el puesto en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, donde permanecería hasta su muerte. Fue aquí donde escribió sus SUITES PARA LAÚD. Johann Sebastian Bach no fue, evidentemente, un compositor de música para Guitarra, pero si lo fue, especial y genialmente, de música para Clavecín, cuya sonoridad y carácter están más próximos a la Guitarra que al piano. Las producciones de Bach no fueron concebidas para la Guitarra y las páginas suyas que hoy escuchamos en este instrumento no son otras cosa que transcripciones realizadas por músicos eminentes. Sin embargo, no podemos olvidar que Bach compuso música para Laúd, un instrumento de cercano parentesco a la Guitarra, que si bien en posibilidades es inferior a ésta, es adaptable a toda la literatura Guitarrística.

Según un valioso descubrimiento hecho por Tirabais en 1912, Bach compuso la Suite III para laúd dedicada a Schouster, que fue hallada en una biblioteca de Bruselas por el citado investigador italiano. Bach escribió también para laúd numerosas páginas, pequeñas por su extensión, pero grandes por su contenido, con las cuales ese instrumento adquirió preponderancia y categorías musicales. El valor que el maestro reconocía al laúd está demostrado con el hecho de que, no satisfaciéndole la poca duración del sonido en clave, mando a construir en 1740 un Luthenclavier de su invención.

Con la Chacona, Bach consiguió el milagro de convertir un instrumento que por naturaleza es prácticamente homófonico, el violín, en un instrumento casi polifónico. Esta excepcional circunstancia unida a la de estar escrita en re menor que es una de las tonalidades más favorables a la técnica Guitarrística, han conseguido buen resultado de la transcripción de la Chacona llevada a las cuerdas de la Guitarra, es básicamente la misma obra, salvo ciertas adiciones armónicas.

Otras muchas obras de Bach, sobre todo las de los grupos clave y para instrumentos diversos, son tan adaptables a la Guitarra que se diría que fueron compuestos pensando en ella. De esta opinión es el musicólogo francés Marc Pinchele, especializado en el estudio de las formas musicales y del violín, quien refiriéndose a la Chacona, añade que la transcripción hecha por el guitarrista y compositor español Andrés Segovia apenas puede ser considerada como tal, toda vez que la versión original para violín necesita cambio alguno de forma en su adaptación a la Guitarra. No será superfluo recordar que el siglo XVII fue precisamente un siglo trascendental para el arte guitarrístico, pues constituyo el período preclásico de su evolución. Otro aspecto digno de ser tomado en cuenta es que mucha sobras de Bach pueden ser transcritas para la Guitarra sin ninguna dificultad técnica, sin perder su seriedad y nobleza, del trascendental acento que es propio de su lenguaje sonoro. Podríamos añadir todavía que la música de Bach, transcrita para Guitarra, Conserva integra toda la espiritualidad y densidad que la caracteriza.

En la Guitarra, por la naturaleza, calidad y timbre de sus voces, por lo metálico de los sonidos y por la típica articulación staccato-legato de su discurso, encontramos – a pesar de la diferencia genealógica que existe entre ambos, más fidelidad clavecinista para interpretar a Bach que en el pianoforte. El piano es más sonoro, más brillante y más impetuoso que la Guitarra y el Clave, por un lado, satisface de un modo total nuestra actual apetencia de amplias resonancias por otro, traiciona y falsea el espíritu un tanto ascético del pensamiento de Bach, su decir enjuto y su dialéctica terminante, que en la Guitarra encuentran un fiel traductor. Debussy resumió esta idea en una frase: “La Guitarra es un clavecín expresivo”.

FOUR SUITES FOR LUTE... Johann Sebastian Bach

Intérprete: Eduardo Fernández

1. Suite No. 1 BWV 996

2. Suite No. 2 BWV 997

3. Suite No. 3 BWV 995

4. Suite No. 4 BWV 1006a
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Aporte de Belen Wang - Buenos Aires, Argentina

12 DANZAS ESPAÑOLAS... Celedonio y Angel Romero

2008-08-17T01:49:00.016-05:00

Datos Biograficos, Cortesía de Biografias y vidas

Celedonio Romero (Málaga, España, 21 de marzo de 1913 - San Diego, California, Estados Unidos 8 de mayo de 1996) fue un guitarrista, compositor y poeta español conocido mundialmente por ser el fundador del cuarteto Los Romeros. Estudió guitarra clásica en el Conservatorio de Málaga y en el Conservatorio de Madrid, donde recibió clases del compositor sevillano Joaquín Turina. Debutó en concierto a los 22 años. En 1957 emigró a los Estados Unidos con toda su familia. Se asentaron en el sur de California y Celedonio junto a sus tres hijos (Ángel Romero, Pepe Romero y Celín Romero), fundó un cuarteto de guitarra llamado Los Romeros. Durante años dieron conciertos con gran éxito de público y grabaron numerosos discos versionando a músicos barrocos como Antonio Vivaldi, lo que les valió gran celébridad en Estados Unidos y en todo el mundo.

En su faceta de compositor escribió más de cien piezas para guitarra, incluyendo una docena de conciertos. Murió en San Diego, California a los 83 años de edad. El cuarteto que él fundó sigue activo. Su puesto fue ocupado por su nieto Lito Romero, hijo de Ángel Romero.Romero fue galardonado con la Orden de Isabel la Católica por el rey Juan Carlos I de España. También fue nombrado Caballero del Santo Sepulcro por el Papa Juan Pablo II.

Enrique Granados
(Enrique Granados y Campiña; Lérida, 1867 - en el canal de la Mancha, 1916) Pianista y compositor español. Era hijo de padre cubano y de madre gallega. Su disposición para la música se reveló ya en su niñez; estudió los primeros elementos de solfeo y teoría en su ciudad natal con José Junceda. Niño aún, pasó a Barcelona, donde entró en la Escolanía de la Merced, dirigida por Francisco Jurnet; luego recibió lecciones de Juan Pujol (piano) y Felipe Pedrell (armonía). A los diez años de edad empezó a dar conciertos públicos. En 1887 pasó a París, donde estudió con C. de Bériot; en la capital francesa vivió con su amigo y coterráneo, el pianista Ricardo Vinyes. Regresó a Barcelona en 1889, donde dio un memorable concierto en el Teatro Lírico. En 1892 obtuvo un nuevo triunfo como concertista y como compositor al dar a conocer sus tres primeras Danzas.

Como pianista fue excelente colaborador de grandes violinistas como Manén, Isaye, Crikboom y Thibaud. También actuó al lado de Risler, Saint-Sáens y Malats en la interpretación pública de obras escritas para dos planos. En una de las primeras "Festes de la Música Catalana", obtuvo el primer premio; su Allegro de concierto fue laureado en un concurso nacional. En 1910 envió sus composiciones para piano Goyescas al pianista Montoriol Tarrés, que residía en París. Tarrés estudió la obra y se entusiasmó con ella. La divulgó y pronto, ganado el apoyo de Vuillermoz, logró que la Société Musicale Independante organizara el 4 de abril de 1914 un concierto enteramente dedicado a Enrique Granados. El éxito fue rotundo y constituyó la consagración del joven compositor. A raíz de este concierto le fue concedida la Legión de Honor y recibió de Rouché, director de la ópera parisiense, el encargo de convertir las Goyescas en ópera, para su representación en París. Enrique Granados puso manos a la obra y concluyó la partitura sobre un libreto de F. Periquet; pero estalla la conflagración mundial y el proyecto se vuelve irrealizable. Así las cosas, Schirmer, el editor neoyorquino, enterado de la dificultad, se apresura a hacer proposiciones a Granados: él está dispuesto a editar la obra y la hará representar en Nueva York. Nuestro autor acepta y se traslada a América con su esposa. La representación de Goyescas, efectuada en el Metropolitan el 28 de enero de 1916, constituyó un éxito y Granados fue invitado por el presidente de los Estados Unidos para tocar en la Casa Blanca. Esta circunstancia fue causa de que el compositor perdiera el transatlántico que había de volverle a España. Cumplido su compromiso, no quiso esperar la salida de otro buque español y embarcó para Inglaterra; allí, en Folkestone, tomó el "Sussex", el cual, a poco de zarpar, fue torpedeado y hundido por un submarino alemán. Granados y su esposa murieron ahogados. La noticia causó sensación; en Barcelona. en Lérida, en París, en Nueva York, se le tributaron homenajes póstumos.

Además de las obras citadas se deben a Granados, entre otras, las siguientes obras: Bocetos, 12 Danzas españolas, Piezas sobre cantos populares, Valses poéticos, Madrigal, la ópera María del Carmen (1898), Follet, Picarol, Liliana (sobre textos de Apel•les Mestres); una nueva serie de Danzas españolas, Sardana, Rapsodia aragonesa, El Pelele, El canto de las estrellas (para piano, coro y órgano); para canto y piano: Canciones amatorias, Tonadillas, Elegía eterna, el poema sinfónico Dante, etc. Enrique Granados fue además notable pedagogo y de la academia de música que en Barcelona llevaba su nombre salieron muchos de los mejores pianistas catalanes de estos últimos tiempos. Fue un extraordinario intérprete de la música popular hispánica, a la que estilizó con su alto sentido poético y su fina intuición.

12 DANZAS ESPAÑOLAS... ENRIQUE GRANADOS

Angel y Celedonio Romero

1. Minueto

2. Oriental

3. Villanesca

4. Andaluza

5. (Jota (Rondalla Aragonesa)

6. Asturiana

7. Mazurca

8. Danza Triste

9. Zambra

10. Arabesca

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Stepán Rak...The singer of the Guitar

2008-08-03T10:21:00.009-05:00

Stepán Rak,
El músico que hace "cantar" a la guitarra

La fotografía es una de sus mayores aficiones. Realizó un sinnúmero de exposiciones en varios países del mundo, siendo éstas muy bien recibidas. Aún así, más que la fotografía, Stepán Rak ama la guitarra, instrumento que desde hace más de cincuenta años le acompaña por los caminos de la vida.

Al guitarrista checo, Stepán Rak, le conocen en un sinnúmero de países. Como afirma el músico, tuvo la suerte de actuar en casi todo el mundo y el público fue siempre maravilloso. "Es muy fácil interpretar mi música ante un público tan receptivo", sostiene Stepán Rak. Pero los expertos afirman que "hacer cantar a la guitarra" como lo logra Stepán Rak, exige más que un público receptivo así alrededor. Para ello se requiere talento y dedicación de parte del músico. Aunque pueda parecer curioso, el primer encuentro de Stepán Rak con la guitarra fue a sus diecinueve años de edad, gracias al entonces fenómeno de los Beatles. Todos los chicos de su edad aprendían a tocar guitarra para llegar a ser como los Beatles. También Stepán Rak, quien hasta entonces había estudiado artes plásticas y un par de años experimentó con el violín, se entusiasmó con el grupo británico y la guitarra. A partir de entonces no se ha separado de ese instrumento musical.

En sus comienzos como guitarrista, Stepán Rak creó un grupo musical, denominado Raci, con el que actuaba en discotecas y clubes juveniles. Posteriormente estudió guitarra en el Conservatorio y composición en la Academia de Artes de Praga. Al finalizar los estudios fue invitado a Finlandia a crear un centro de estudios de la guitarra clásica en el conservatorio local, y permaneció en ese país cinco años. A su regreso a la República Checa, Stepán Rak se desempeñó en la Facultad Musical de la Academia de Artes de Praga. A Stepán Rak se debe el que se lograra inaugurar en ella una sección de guitarra clásica, la primera de ese género en la historia de la Academia. En el año 2 mil, Stepán Rak fue nombrado como el primer profesor checo de guitarra clásica. Un año más tarde, el músico fue invitado a actuar en el célebre Conservatorio Chaikovski, de Moscú. Fue el primer guitarrista del mundo en ser invitado a ese prestigioso centro docente musical.

Stepán Rak es apreciado como intérprete y como compositor. Según afirma, la guitarra es capaz de sustituir a una orquesta. Amplio éxito tuvo en varios países del mundo su proyecto Vivat Comenius, que rinde homenaje al destacado filósofo y maestro checo del siglo XVII, Juan Amos Comenio, así como la composición para guitarra, dedicada a las víctimas del Kursk, el submarino ruso que naufragara hace unos años. Al tocar la guitarra, Stepán Rak utiliza los cinco dedos de su mano derecha. Dice que ello le permite "dominar la guitarra y hacerla cantar". Stepán Rak recurre a su guitarra también en diversos proyectos alternativos, por ejemplo, en programas de terapia musical o en programas concebidos como homenaje al té o al vino. "Experimentar es muy importante en la vida de cada artista, pues esa es la mejor fuente de inspiración", dice Stepán Rak. Para el guitarrista checo no existen límites en la música que, con su guitarra clásica, no sea capaz de superar.

Stepán Rak
The Singer of the Guitar

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Parte 1 Parte 2 Parte 3 Parte 4
Parte 5 Parte 6 Parte 7 Parte 8

Es necesario descargar la 8 partes para tener acceso completo al video.

Duración Total: 1h:26m
Aporte Belén Wang, Buenos Aires – Argentina

PARTITAS POUR LUTH... Hopkinson Smith

2008-07-25T12:06:00.021-05:00

Datos Biográficos Cortesía de wikipedia.com

Hopkinson Smith (Biográfia Guidáctica), Silvius Leopold Weiss.(Breslau, 1686- Dresde, 1750) Compositor alemán. Excelente laudista, escribió partitas, sonatas, fantasías y conciertos para su instrumento. Fue el hijo del también músico y laudista Johann Jacob Weiss. Hasta hace poco se creía que había nacido en 1686, pero recientes investigaciones indican que el año de su nacimiento fue 1687. A los 7 años actuó ante el Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Leopoldo I de Habsburgo. En 1706 estaba al servicio del Conde Karl III Philip del Palatinado, que por aquel entonces residía en Breslau. Entre 1710–14 estuvo en Roma bajo la protección del príncipe polaco Aleksander Benedykt Sobieski, hijo de Juan III Sobieski. Allí entró en contacto con Alessandro Scarlatti y su hijo Domenico Scarlatti que estaban al servicio de la madre del Príncipe Aleksander, la reina en el exilio María Casimira.

El 23 de agosto de 1718 fue nombrado músico de cámara del Príncipe Elector de Sajonia Augusto. Allí permaneció gozando de una buena situación económica y profesional hasta su muerte. Este puesto le dio la oportunidad de contactar con algunos de los mejores músicos de la época, entre ellos Juan Sebastián Bach, con quien interpretó obras de forma conjunta y llegó a gozar de gran amistad. También le obligaba a frecuentes viajes, como el que realizó entre finales de 1718 y principos de 1719 junto con otros doce músicos de la corte a Viena con motivo de la boda del Elector de Sajonia. Fue uno de los más importantes y prolíficos compositores para laúd de la historia de la música, y destacó también por su técnica de interpretación. Escribió unas 600 piezas para laúd, la mayoría de ellas sonatas (no confundir con la forma sonata del periodo clásico), así como música de cámara y conciertos de los que solo conocemos hoy las partes solistas. Parece ser que mostró poco interés en publicar sus obras. Al igual que otros virtuosos, como Paganini, las utilizaba probablemente para un uso personal exclusivo.

PARTITAS POUR LUTH
Intérprete: Hopkinson Smith

1. Partita en ré mineur
(Fantasía, Allemande, Courante, Gavotte, Sarabande, Giga)
2. Partita en Sol majeur
(Prelude, Fuga, Courante, Bourrée, Sarabande, Menuet)
3. Partita en ré majeur
(Prelude, Passacaille, Giga)

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Aporte Gabriel Díaz - México

TANGOS Y DANZAS... Aniello Desiderio

2008-06-27T21:23:00.006-05:00

Datos Biográficos, cortesía de aniellodesiderio.net

Aniello Desiderio, nace en Nápoles en 1971, comenzó a tocar la Guitarra cuando era muy Jóven. Estudio con BB D´Amario y Stefano Aruta, con quien también asistió a clases de interpretación musical con Leo Brouwer. En 1992 se graduó con honores del Conservatorio de Música de Alejandría "A. Vivaldi". A la edad de ocho años, actuó en público por primera vez, mostrando tales dones musicales que los críticos comenzaron a hablar de él como un "niño prodigio, un genio, el Orfeo de la Guitarra, el guitarrista del siglo, un fenómeno, etc.

A ganado 18 primeros premios internacionales y nacionales, entre ellos:

· First Prize at the Donia Competition Messina, Italy (1986)
· First Prize at the International Guitar Competition in Habana, Cuba (1988);
· First Prize at the International Guitar Competition in Tokio, Japan (1988)
· "Neapolitan of the Year" Award for Mr. Desiderio, Italy (1988)
· First Prize and Special Prize at the International Francisco Tarrega Competition Benicasim, Spain, (1992)
· First Prize at the International Competition "Citta' di Sanremo“ Italy (1994);
· First Prize at the International "Guerrero,, Competition Madrid, Spain (1995).
· Artist in Residence Award by the German Radio & Musikfest Bremen, Germany(1999)

Su carrera internacional comenzó en 1989, durante el Festival Internacional de Guitarra de Volos (Grecia), éste fue el punto de partida para su carrera como artista internacional, actuando en paises como: suiza, francia, alemania, holanda, españa, grecia, italia, dinamarca, irlanda, noruega, suecia, polonia, hungría, turquía, cuba, colombia, venezuela, japón y los estados unidos, tanto como solista, como con orquesta, entre ellas la Virtuosi de Moscú con Vladimir Spivakov.

Se ha desempeñado para importantes asociaciones y festivales, así como en algunos de lo más prestigiosos teatros de todo el mundo, como "Radio France", en Italia, "A. Scarlatti", "Megaride", "I Pomeriggi Musical" en Alemania, "Bayerische Rundfunk TV ", Musikfest Bremen, Ludwigsburger Schloßfest-Spiele, Omni serie de conciertos, S. Francisco, Alte Opera, Koln, Tonhalle Dusseldorf, Filarmonie and Prinzregententheater, Munich ,etc. Francisco, Alte Opera, Colonia, Dusseldorf Tonhalle, y Filarmonie Prinzregententheater, Munich, etc.

En el año 2007 al lado de sus hnos. Gennaro (violín) y Gaetano (Piano), así como Romulo Larrea de Montevideo en el Bandoneón y la cantante Verónica LARC de Buenos Aires, realiza su producción discográfica "Tangos y Milongas". Desde el año 2005 se desempeña como Profesor de Música para Guitarra en la Academia Koblenz (Alemania).

TANGOS Y DANZAS

Guitarra: Aniello Desideiro

Violín: Gennaro Desiderio, Verdi Quartett
1. Tango en Skaï

2. Estaciones Porteñas

3. Historie du Tango

4. Tres Danzas Concertantes

5. ´OSurdato ´NNammurato

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Aporte Andrej Cerjak, Brezice - Eslovenia

MUSIC OF SPAIN... Julian Bream

2008-06-27T20:14:00.008-05:00

Datos Biográficos, cortesía de wikipedia.org

Julian Bream (Biografía Guidáctica). A principios del siglo XVI se desarrolló un estilo polifónico coral que estaba próximo al estilo de la escuela franco-flamenca de música. Entre los más populares compositores de la época figuran Mateo Flecha el viejo, el dramaturgo castellano Juan del Encina, Juan de Anchieta, Francisco de Salinas y el organista Antonio de Cabezón. Gran parte de la producción musical de la época fue impreso en cancioneros entre los que pueden mencionarse el Cancionero de Palacio, el Cancionero de Medinaceli, el Cancionero de Uppsala y el Cancionero de la Colombina.
La unificación de estilo ocurrió en época de Carlos I de España, emperador del Sacro Imperio, ya que músicos del norte visitaron España y músicos españoles viajaron a otros territorios del Imperio: Países Bajos, Alemania e Italia. Los grandes compositores del Renacimiento incluyen a Francisco Correa de Arauxo y, especialmente a Francisco Guerrero y Cristóbal de Morales, activos también en Roma. Quizás el de más renombre fue Tomás Luis de Victoria, que también pasó una larga temporada en Roma y cuya perfección polifónica e intensidad expresiva se pueden comparar a las de Palestrina y Lassus. Muchos compositores solían volver hacia el final de su carrera para extender sus conocimientos musicales en su país natal.
Entre las mayores realizaciones del Renacimiento ibérico destaca la música instrumental para vihuela, con exponentes como Luis de Milán, Alonso de Mudarra, Luis de Narváez o Miguel de Fuenllana. Se atribuye a Vicente Espinel el añadido de una quinta cuerda a la guitarra. José Nebra, Antonio Soler y Antonio Abadía son otros compositores importantes del barroco tardío y del inicio del clasicismo.

Luis de Milán
(Valencia, c. 1500- id., c. 1561) Vihuelista español. Es autor del Libro de música de vihuela de mano intitulado Él maestro» (1536), primer tratado conocido de vihuela y uno de los primeros documentos de música con indicaciones de tiempo; está formado por fantasías, tientos, pavanas, villancicos, romances y sonetos.
Luis de Narváez
(s. XVI) Vihuelista y compositor español. Estuvo al servicio de Francisco de los Cobos, a quien dedicó Los seis libros del Delphin de música de cifra para tañer vihuela (1538), recopilación de romances, villancicos, música instrumental, reducciones de polifonía vocal y diferencias.
Alonso Mudarra
(¿principios del s. XVI,?-Sevilla, 1580) Compositor español. Canónigo de la catedral de Sevilla desde 1547, escribió música para vihuela, de la que sólo se conservan Tres li bros de música en cifra para vihuela (1546), que incluyen numerosas piezas del autor y transcripciones de otros compositores renacentistas, como A. Willaert, J. des Prés o A. Agricola.

MUSIC OF SPAIN

Intérprete: Julian Bream
Luis de Milan

1. From "El Maestro"

Luis de Narváez

2. From "Los Seys libro de Delphin de Música"

Alonso Mudarra

3. Fantasia
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CARDOSO PLAYS CARDOSO

2008-06-21T13:54:00.009-05:00

Datos Biográficos, Jorge Cardoso (Biografía Guidáctica)
Danzas Folklóricas (ARGENTINAS)

Artículo cortesía de Clubeco.com

Al llegar los españoles a América, advirtieron la extraordinaria afición de los indígenas por el baile, aunque el carácter y el sentido de la danza era puramente ritual. Taquis (baile, en quechua), así llamaban a sus danzas y cantares los indígenas. Entre las más antiguas se encuentran: la Kashua, el Huayno, y el Kaluyo. Con la formación de las primeras poblaciones, llegaron a nuestro país algunos maestros de danza que enseñaron sus bailes a la manerea europea, es así que en el año 1692 ya relatan algunos cronistas la forma en que eran enseñadas las danzas en las misiones indígenas. De la fusión de esos elementos con otros de origen local, surgieron poco a poco nuestras danzas folklóricas.

Las clases altas tomaron elementos de la campaña y ésta a su vez hizo lo correspondiente, Es así como, por ejemplo, de las contradanzas europeas nacieron Cuadrillas, Cielitos, Carnavalitos, Media Caña, Pericón, etc. Los salones coloniales contaron en sus primeras épocas con bailes muy picarescos y graciosos, los cuales influyeron sin duda, en la formación de las danzas criollas, las que, en su mayoría, tenían ese carácter. Pero recién a comienzos del XIX, podemos hablar concretamente de nuestras danzas; aunque ya a fines del siglo XVIII se menciona (a veces con otro nombre) el Malambo y el Gato. Aunque descienden directamente de la raza hispánica que nos trajo su civilización, sus cantos, sus ritos, sus músicas y sus danzas, aquí todo fue transformándose y las danzas españolas y europeas fueron sufriendo su proceso lento de adaptación, de "acriollamiento". Esta probado que ya en el siglo XVIII se bailaban en América Hispana, danzas que no eran españolas ni indígenas. Así nacieron dentro de nuestro país o en los vecinos, muchas de nuestras danzas folklóricas, gestadas colectiva y anónimamente, sin autor o autores determinados.

El Gato

Esta movida danza criolla se bailó en todas nuestras provincias, posiblemente desde antes de 1820, y perduró en la mayoría de ellas hasta los primeros años de nuestro siglo. Actualmente aún se baila "al natural" en algunas regiones del norte, centro y oeste, por lo que pertenece al llamado "folklore vivo".El gato se bailó en varias naciones americanas - Perú, Chile, Uruguay y Paraguay entre ellas- pero fue en nuestro país en donde arraigó con mayor fuerza.Entre las versiones musicales antiguas citaremos las dos de Ventura Lynch (1883), la de Andrés Chazarreta (1911) y las 3 de Manuel Gómez Carrillo (1920 y 1923).

La Chacarera

- La chacarera es una danza vivaz que, como la mayoría de las danzas Folklóricas argentinas , se baila en pareja. Esta es suelta - ya que los bailarines no se tocan - e independiente , o sea que hacen solas sus evoluciones, sin combinarlas con las de otra pareja.- Pertenece al grupo de danzas picarescas, de ritmo ágil y carácter muy alegre y festivo, gozó de la aceptación del ambiente rural y también de los salones cultos del interior hasta fines del siglo pasado, abarcando todo el país excepto el litoral y la Patagonia. Es una de las pocas vigentes , es decir que aun se baila especialmente en Santiago del Estero - donde se arraigó con gran fuerza - y en Tucumán , Salta, Jujuy, Catamarca, La Rioja y Córdoba ; su difusión abarca por lo tanto, los ámbitos del noroeste, parte del chaqueño y casi todo el central.Hay pocos documentos que nos hablan de su historia, mencionan que sería la más antigua y se baila en Tucumán desde 1850.- Musicalmente consta de cuatro frases en las cuales se cantan las coplas y un interludio que es solamente instrumental, intercalado después de la primera y segunda copla y también sirve de introducción Este interludio una característica coreográfica, ya que puede durar seis u ocho compases y como corresponde a la figura de vuelta entera, varia de la misma forma la duración de ésta.- El acompañamiento musical que se utiliza generalmente es de guitarra, violín, acordeón y por supuesto, el bombo, que se luce con sus típicos repiques.

La Zamba

Deriva de la zamacueca (explicada en la cueca) y se bailó en el siglo pasado en todas las provincias argentinas, y actualmente aún se conserva alguna vigencia en las occidentales y norteñas. Es, junto con la chacarera, el género más difundido de música autóctona.Andrés Chazarreta publicó su versión de la "Zamba de Vargas" en 1906. La "Zamba", última descendiente de la antigua "Zamacueca" peruana, reúne en su juego coreográfico las características de un poema, donde se sintetiza todo el proceso amoroso que el hombre aspira cumplir como esencial función de la vida. Es la danza con trayectoria histórica más documentada, y la más discutida con respecto al origen de su denominación y procedencia. Con el título de "Zamba", aparece anotada por primera vez en "Recuerdos de Treinta Años", de José Zapiola, definiéndola "como muy popular en Chile entre los años 1812-1813", y nuevamente apuntada por María Graham, el 5 de setiembre de 1822 en su "Diario de Residencia en Chile". Además es reconocida indistintamente como "Zama-cueca", "Cueca", "Marinera", etc., denominándosela "Chilena" en las provincias de Salta y Jujuy, designación que se popularizó hasta en el Perú, cuna de este baile, donde se cultivó con entusiasmo y se la consideró como una verdadera danza nacional, hasta que sobrevino la guerra con Chile(1879). A partir de ese momento y no viendo con simpatía aquella denominación que les recordaba el nombre de sus contendores, a instancia del intelectual y humorista Abelardo Gamarra, más conocido por el seudónimo de "El Tunante", cambió el rótulo de "Chilena" por el de "Marinera", en homenaje a las hazañas del "Huáscar", buque de la marina peruana. La "Zamba", cumbre de nuestras danzas tradicionales, es reconocida con ese nombre en las provincias mediterráneas y con el de "Cueca" en toda la región cordillerana.

El Tango

El tango es un baile popular que significa el encanto y elegancia, pero en su comienzo el tango era muy diferente. El tango era el baile de los pobres argentinos. Ahora , el tango se baila en todos los países del mundo. El tango comenzó en los burdeles de Buenos Aires, Argentina en los 1880s. En los burdeles había muchos inmigrantes de Europa y Africa. Tenían muchos problemas y querían olvidar los problemas de su vida. Para olvidar los problemas, los inmigrantes pasaban mucho tiempo en los burdeles con otros inmigrantes. El tango surgió como una manera de ahogar los problemas de la vida. En Argentina, hay muchos inmigrantes de muchos países europeos y africanos. Por eso, el tango es un mezcla de muchas culturas. En el tango, se ven partes de las culturas de los esclavos de Africa, los indios, los españoles, y otros europeos. Por ejemplo, un instrumento muy importante en el tango es el bandoneón. El bandoneón es como un acordeón que fue importado de Alemania en 1886. Todos los inmigrantes en los burdeles aumentaron al tango.

El tango tiene muchos aspectos sentidos. Originalmente, el tango era una drama de la relación de una prostituta y un chulo. Muchas de las primeras canciones son muy obscenas. En los primeros tangos, los protagonistas son personas en el mundo de la prostitución. Ahora, el tango es muy diferente. El cambio del tango comenzó en 1912 cuando todos los ciudadanos argentinos recibió el derecho de votar. Muchos aspectos de la cultura del burdel entra en la sociedad, incluso el tango. La estructura del tango seguía siendo igual, pero el tango no era tan abiertamente sexual como antes. En París, el tango era muy popular al principio del siglo. Esto ha hecho que el tango en Argentina sea un símbolo de la sociedad alta. Los cantantes del tango se han hecho muy populares. Carlos Gardel es un cantante muy popular cincuenta años después de su muerte. Gardel era tan popular en Argentina como Elvis Presley en los Estados Unidos. La música de Astor Piazzolla ha causado muchos problemas: él jugó el bandoneón y combinó el tango con la música clásica. Los dos son muy populares en Argentina y en todo el mundo del tango. Después de muchos años, el tango es popular todavía. El teatro musical, "Forever Tango" (1996) estuvo en San Francisco por 92 semanas. Ahora, "Forever Tango" está en Broadway y es la producción más larga de la historia de Broadway. En todas las ciudades, hay clases para aprender el tango. Un baile que comenzó como una parte de los burdeles en Argentina ahora es popular en todos los países del mundo.

A fines del siglo pasado, un reflejo con rostros de esperanza se mece en las aguas del Río de la Plata; cientos de inmigrantes europeos, de España e Italia en su mayoría, arriban al puerto de Buenos Aires. El objetivo es "hacer la América". Pero otro hombre, nacido en la pampa, de sangre indígena y española, se siente dueño de la tierra. Es callado y valiente; su audacia, rectitud y generosidad lo integran al paisaje. Es el gaucho, que impregnado de libertad hasta ese momento, se siente nuevamente invadido; piensa que usurparon su lugar; intuye la pérdida de la libertad; se vuelve nostálgico, triste, se siente perseguido. Tiene pocas opciones, ser peón de campo, o "matrero" en la pampa. En la ciudad, el gaucho prueba suerte con su guitarra, milonga y cuchillo, pero se siente intruso. Ahora no es ni del campo, ni de la ciudad. Entonces, retrocede hasta la zona gris, el arrabal. Allí se entrevera con el inmigrante y, en forma despectiva, lo llama "gringo", "gallego", "tano", "turco", "moishe", aunque no le queda otra alternativa que mezclarse y vivir con ellos en "conventillos". Entre los inmigrantes, aunque en su mayoría ambiciosos y trabajadores, existían hombres sin oficio y malvivientes, que trajeron nuevas formas de delito. Como prueba de ello, quedó un lenguaje particular y único: el lunfardo. En los arrabales, la explotación de la mujer, entre otros delitos, era cosa corriente.

Proliferan los prostíbulos con mujeres experimentadas, y otras no tanto, procedentes de la vieja Europa y, en esta mezcla social, una gran mayoría de hombres dominan sobre un porcentaje menor de mujeres, esto altera el equilibrio entre 1os sexos. Por todo esto, el nativo y el extranjero se encontraron con sentimientos comunes: nostalgia de su tierra, tristeza, melancolía y bronca; no se adaptan con facilidad a la nueva estructura de vida y se vuelven hostiles y desconfiados. En ese contexto, alguien con flauta, violín y guitarra, interpreta, a su manera – entre nostalgia y resentimiento – el lejano silbido de un hombre que desplaza su silueta cabizbaja en el horizonte orillero, perforado por sones de tambores africanos. Y confundido e influenciado por el tanguillo español, el fandango, el candombe, la milonga y la habanera, va moldeando a fuego lento, al decir de Discépolo, "un pensamiento triste que se baila: EL TANGO".

El Malambo

Danza varonil y recia, el Malambo fue en la campaña argentina prueba de vigor y destreza durante todo el siglo pasado. Celebrado en fiestas, fogones y pulperías, animó las horas de esparcimiento o de descanso con el gustoso "trabajo" de su difícil realización, y dio provisional prestigio a los más hábiles y esforzados. El Malambo es, esencialmente, la danza en que un ejecutante solo, hace con los pies, en la mínima superficie, una serie de pequeños ciclos de movimientos llamados mudanzas; es decir, que el acto de zapatear, generalmente añadido a diversos bailes, complemento de figuras, parte de más extensos tramos coreográficos, constituye aquí la totalidad del espectáculo. Se trata, pues, de una danza individual, la principal y más difundida de la Argentina en su género.

El Bailecito

Esta danza de influencia incaica, tiene una historia algo confusa a causa de su nombre, ya que a veces resulta difícil saber si en los documentos éste ese emplea en forma específica para designarla o en forma genérica para referirse a la totalidad de los bailes populares de Perú, Bolivia y la región norte de la Argentina. En estos países se usaron los nombres de "Bailecitos de tierra" o "Bailecitos" para distinguir todas las danzas de galanteo que el pueblo cultivaba, y no solamente la que ahora nos ocupa. Otro motivo de confusión lo produce el nombre de "Bailecito" aplicado al Gato en varias provincias, especialmente en las del centro y del oeste. Nos llegó de Bolivia, penetrando en el N.O.A. a mediados del siglo anterior; luego se extendió por las provincias de Catamarca, Tucumán, Santiago del Estero y Córdoba. Su origen remoto, como el de muchas de nuestras danzas, debe buscarse en los bailes del Viejo Mundo que España trajo a los puertos americanos, y especialmente a Lima, en la época colonial. Esta danza, que goza de gran favor en las reuniones de los centros tradicionalistas, pertenece al folklore vivo, pues en la actualidad se baila espontáneamente en Jujuy y en algunas regiones de Salta. La primera versión musical publicada en nuestro país corresponde a Andrés Chazarreta (1916); la segunda, a Manuel Gómez Carrillo (1920).

CUECA

Hermana de la Zamba, de la Chilena, de la Marinera peruana y de otras danzas similares, hijas todas de la Zamacueca peruana, o derivadas de ella, la cueca es una de las danzas que más arraigo tuvieron en nuestro país, en cuyas regiones occidental y norte aún conserva cierta vigencia. La zamacueca - cuyo nombre parece haber dado origen a los de Zamba y Cueca - fue creada, según C. Vega, en Lima (Perú), hacia 1824, con elementos aportados por los bailes de la época. En dicho país se la llamó también Zambacueca, Mozamala y Zanguaraña.La zamacueca llegó a Chile en 1824 ó 1825, luego pasó a Mendoza y desde Bolivia entró al Norte del país. Desde entonces se bailó en todas las provincias, salvo Buenos Aires, dando lugar a la formación de sus descendientes, entre las que mencionaremos a la Zamba, la Cueca, la Cuequita y la Chilena.

Otras cuequitas

La CUECA CUYANA, que es menos briosa que la chilena y que la "achilenada", se baila generalmente con pasos cruzados, como los de la Zamba, alternándolos con otros simples, caminados; por lo común de zapateos.La CUEQUITA NORTEÑA, cuya música tan partiuclar se reconoce prontamente por el peculiar sonido de las quenas, charangos y otros instrumentos típicos, se baila con un pasito valseado, rápido, y con frecuentes repiqueteos.

CARDOSO PLAY´S CARDOSO
Guitarra: Jorge Cardoso

1. 24 Piezas Sudamericanas
2. Suite Sudamericana

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Aporte Andrej Cerjak, Brezice - Eslovenia

DVORAK & STRAVINSKY... Kazuhito Yamashita

2008-06-14T23:30:00.009-05:00

Datos Biográficos, Cortesía de Biografías y Vidas

Datos Biográficos, Kazuhito Yamashita (Biografía Guidáctica)

(Antonin o Anton Dvorak; Nelahozeves, 1841 - Praga, 1904) Compositor checo. Hijo de un mesonero, ya desde niño demostró disposición para la música. Inició sus estudios en Zlonice en 1853 y los prosiguió en Praga durante el período 1857-59. Luego tocó la viola en una orquesta hasta 1871. Al mismo tiempo, emprende su actividad de compositor. El primer éxito alcanzado en este ámbito fue un Himno con texto de Hálek (1873); gracias a tal obra, obtuvo el cargo de organista de la iglesia de San Etelberto, que conservó hasta 1877. A estos años pertenecen el Stabat Mater y otras composiciones sinfónicas y vocales, pero sobre todo para conjuntos de cámara. En 1875 recibió un estipendio del Estado. Mientras tanto, sus obras provocaban el interés de Brahms y Hanslick, así como el del editor Simrock. La música de Dvorak conoció entonces mayor auge, publicando las Danzas eslavas (1878), el Cuarteto op. 51 (1879) y las primeras Sinfonías. El músico visita repetidamente Inglaterra, donde es nombrado doctor "honoris causa" de la Universidad de Cambridge (1891). Las de Viena y Praga le confieren también esta misma distinción.
En 1892 acepta la invitación de marchar a Nueva York como director del Conservatorio Municipal; en América escribiría algunas de sus obras más famosas: la Sinfonía del Nuevo Mundo (1893), el Cuarteto en fa mayor (1893), los Cantos bíblicos (1894) y el Concierto para violoncelo y orquesta (1895). La nostalgia de la patria le indujo a regresar a Praga, donde volvió a ocupar el cargo de profesor de composición del Conservatorio, alcanzado en 1891. Durante los últimos años de su vida intentó, sin mayor éxito, escribir para el teatro nacional, según el ejemplo de Smetana; en este aspecto, cabe recordar sobre todo Russalka (1900). Falleció cuatro años después de la composición de tal obra, apreciado y honrado como uno de los principales músicos de su época y singularmente de su país, aun cuando en su música se hubiera dado, en cierta medida, una contaminación entre los elementos nacionales y la tradición sinfónica alemana. La obra de Dvorak es muy variada: desde la ópera a la música de cámara pasando por la música sinfónica, terreno al que dedicó más atención. Su obra musical no es tan sencilla y bucólica como la de su compatriota Smetana, ya que Dvorak posee un lenguaje más moderno, emplea mayor sofisticación técnica y una orquesta de plantilla más numerosa. En su orquestación busca la espectacularidad, conseguida a través de contrastes dinámicos y de la experimentación de nuevas combinaciones tímbricas. Algunos de los recursos que emplea son propios de los compositores eslavos, como la utilización frecuente del registro grave del violín y el uso de los instrumentos de metal en pianissimo. Su fluidez y gran espontaneidad melódica proceden en cierta medida de Schubert. En sus obras de juventud, Dvorak imitaba los modelos románticos, especialmente los de Mendelssohn. En la década de los años sesenta se puede apreciar en su música cierta ambigüedad tonal y frecuentes modulaciones hacia ámbitos tonales lejanos. Surgieron así obras camerísticas como sus cuartetos de cuerda en fa menor Op. 9 (1873) y la menor Op. 16 (1874); y obras orquestales como la Segunda Sinfonía en Si bemol mayor (1865).
(Igor Stravinsky, Oranienbaum, Rusia, 1882-Nueva York, 1971) Compositor ruso nacionalizado francés y, posterormente, estadounidense. Una de las fechas clave que señalan el nacimiento de la llamada música contemporánea es el 29 de mayo de 1913, día en que se estrenó el ballet de Stravinski La consagración de la primavera. Su armonía politonal, sus ritmos abruptos y dislocados y su agresiva orquestación provocaron en el público uno de los mayores escándalos de la historia del arte de los sonidos. Autor de otros dos ballets que habían causado sensación, El pájaro de fuego (la obra que lo dio a conocer internacionalmente en 1910) y Petrushka, el citado día de 1913 Stravinski se confirmó como el jefe de filas de la nueva escuela musical. Sin embargo, él nunca se consideró un revolucionario; de manera similar a Picasso en el campo de las artes plásticas, el compositor se caracterizó siempre por transitar de un estilo a otro con absoluta facilidad, sin perder por ello su propia personalidad. El ruso, el neoclásico y el dodecafónico son, a grandes rasgos, los tres períodos en los que puede dividirse la carrera compositiva de este maestro, uno de los referentes incuestionables de la música del siglo XX.
Alumno de Nikolai Rimski-Korsakov en San Petersburgo, la oportunidad de darse a conocer se la brindó el empresario Sergei Diaghilev, quien le encargó una partitura para ser estrenada por su compañía, los Ballets Rusos, en su temporada parisiense. El resultado fue El pájaro de fuego, obra en la que se advierte una profunda influencia de su maestro en su concepción general, pese a lo cual apunta ya algunos de los rasgos que definirán el estilo posterior de Stravinski, como su agudo sentido del ritmo y el color instrumental. Su rápida evolución culminó en la citada Consagración de la primavera y en otra partitura destinada al ballet, Las bodas, instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal. En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla. Su estilo experimentó entonces un giro que desconcertó a sus propios seguidores: en lugar de seguir el camino abierto por estas obras, en 1920 dio a conocer un nuevo ballet, Pulcinella, recreación, a primera vista respetuosa, de la música barroca a partir de composiciones de Giovanni Battista Pergolesi.
Comenzaba así la etapa neoclásica, caracterizada por la revisitación de los lenguajes del pasado, con homenajes a sus compositores más admirados, como Bach (Concierto en re), Chaikovski (El beso del hada), Haendel (Oedipus rex), Haydn (Sinfonía en do) o Mozart (La carrera del libertino) y obras tan importantes como el Octeto para instrumentos de viento, la Sinfonía de los salmos o el ballet Apollon Musagète. En ellas Stravinski abandonó las armonías disonantes y la brillante orquestación de sus anteriores composiciones para adoptar un estilo más severo y objetivo –el neoclasicismo, de hecho, nació como una oposición al arrebatado subjetivismo del Romanticismo y el expresionismo germánicos–, estilo, sin embargo, que no excluía cierto sentido del humor en su aproximación al pasado. Con la Sinfonía en tres movimientos y la ópera La carrera del libertino concluye esta etapa, tras la cual Stravinski volvió a sorprender al adoptar el método dodecafónico sistematizado por su colega y rival Arnold Schönberg, aunque eso sí, a la muerte de éste. De nuevo un ballet, Agon, señaló la apertura de este nuevo período, en el que sobresalen títulos como Canticum sacrum, Threni, Monumentum pro Gesualdo y Requiem Canticles, ninguno de los cuales ha obtenido el nivel de aceptación de las obras de las dos épocas precedentes. Fallecido en Estados Unidos, sus restos mortales fueron inhumados en Venecia.

Kazuhito Yamashita

Antonín Dvorák Symphony No. 9 Op. 95 "From the New World"

in E minor/e-moll/mi mineur/mi minore
1. Adagio; Allegro molto

2. Largo

3. Scherzo: Molto vivace

4. Allegro con fuoco
Igor Stravinsky The Firebird: Suite

1. Introduction

2. The Firebird ant its Dance

3. Variations of the Firebird

4. The round of the Princesses

5. Infernal Dance of King Kastchei

6. Berceuse

7. Finale

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Aporte, Omar Allén Polo Aguilar Lima - Perú

FOUR SEASONS... Eduardo Isaac

2008-05-02T06:28:00.007-05:00

Datos Biográficos Cortesía de revistaarabe.com.ar

Eduardo Isaac (Guitarrista Argentino); Ganador de concursos internacionales en Brasil, España y Bélgica. Forma parte del selecto grupo de virtuosos de la nueva generación. Presente regularmente en los festivales de guitarra en Sudamérica, Europa y Asia. A grabado con las orquesta nacionales de Argentina y Bélgica. En los años 90 grabo cinco CD como solista en Europa, registrando en estreno obras de compositores del mundo entero.
"Sonoridad a la vez limpia y profunda, con un sentido rítmico infalible" Titula Le Monde de la Musique (Francia); "Excelente cualidades musicales, hace respirar las seis cuerdas de su guitarra" Le Soir. (Bélgica) Eduardo Isaac es un concertista de guitarra nacido en Paraná (Entre Ríos, Argentina), que vive actualmente en su ciudad natal. Su padre, don Elías Isaac, nació en Siria y desde 1925 se radicó en Paraná, con apenas 20 años de edad, Falleció en 1997 a los 91 años. Eduardo a los 7 años se inicia en la guitarra, como una actividad más, donde el mayor incentivo lo encuentra en su madre Santa Elena Rodríguez. Su padre lo observaba con cierto requemos, como dudando de su futuro como guitarrista; en realidad confiesa Eduardo: "En Paraná y en nuestro país, es muy difícil que alguien viva de la música: Yo hice dos años de la carrera de Ingeniería en Paraná, en el antiguo seminario pero a los veinte años tuve la oportunidad y la necesidad de dedicarme de lleno a la música, ya me había hecho una base técnica musical de la mano del Maestro Walter Heinze. Se puede decir que mi carrera comienza cuando gané un concurso nacional de guitarra que fue realizado y auspiciado por la "Fundación Guillete" de Buenos Aires", muy importante ya que en él participaron la mayoría de los guitarristas jóvenes del país. Lo gane e hice un primer disco, tenia 22 años, en el año 1978.
Desde allí empezaron los contactos para actuar en distintas ciudades, Buenos Aires, Bahía Blanca, Mendoza, Córdoba, etc. Y desde luego los viajes al exterior. En principio, una carrera de instrumentista clásico se nutre de concursos internacionales, lo mío fue en Brasil, Venezuela, Chile, con buenos sucesos, algunos de ellos con el primer premio, otro con el segundo premio, como en el concurso de "Viña del Mar" (Chile). A todo esto agrego mi actividad como profesor de guitarra, ya que empresarios que me ven en Brasil, me contratan para dar clases, y cursos de perfeccionamiento en Francia.
Corría el año 1984, ya tenia 28 años, y a partir de allí comienzan con frecuencia viajes a Europa; como concertista intervengo en concursos internacionales que son los de mayor importancia que se realizan actualmente, por ejemplo: "Concurso Internacional Andrés Segovia de Palmas de Mallorca" ganando además el "Concurso del Comité Nacional Reina Fabiola" en Bélgica, que también me abre las puertas para la grabaciones en el año 1988. Hace 15 años que viajo a Europa y ya voy por el viaje treinta y cinco, cada viaje implica una gira de conciertos, cursos que doy desde Portugal hasta Polonia, tocando en todos y en muy buenas salas, solo o con Orquestas.

Entrevista con Eduardo Isaac; artelinkado

FOUR SEASONS, Astor Piazzolla

Guitarra: Eduardo Isaac

1. Cuatro Estaciones

Otoño Porteño

Invierno Porteño

Primavera Porteño

Verano Porteño
2. Sonata III

Allegro moderato

Chanson

Allegro non Troppo
3. Libra Sonatina

India

Largo

Fuoco
4. Late one Nigth

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COMPLETE ORCHESTRAL WORKS - 2... Joaquín Rodrigo

2008-05-02T05:47:00.009-05:00

Datos Biográficos, Cortesía de joaquin-rodrigo.com

JOAQUIN RODRIGO VIDRE Marqués de los Jardines de Aranjuez1901-1999.
Joaquín Rodrigo nace en Sagunto el 22 de noviembre de 1901, día de Santa Cecilia, patrona de la Música. A los tres años de edad, pierde la vista como consecuencia de una epidemia de difteria. A los ocho años inicia, en Valencia, los estudios musicales de solfeo, violín y piano. Después, armonía y composición con los maestros Francisco Antich, Enrique Gomá y Eduardo Chavarri. Sus primeras composiciones datan de 1923.
En 1927, se traslada a París e ingresa en la Escuela Normal de Música para estudiar composición con Paul Dukas, quien demuestra una especial predilección hacia su discípulo. Pronto se da a conocer como pianista y compositor en los ambientes musicales parisinos y entabla amistad con Ravel, Milhaud, Honneger, Stravinski y Manuel de Falla. En 1933 contrae matrimonio con la pianista turca Victoria Kamhi, quien es desde entonces hasta su fallecimiento en julio de 1997, compañera inseparable y su más asidua colaboradora. En 1940 tiene lugar en Barcelona el estreno mundial del Concierto de Aranjuez para guitarra y orquesta, primera de sus obras que le daría fama universal y claro ejemplo de su personalidad. Rodrigo se mantiene fiel a una estética que él mismo gustaba denominar "neocasticismo", practicando la tradición tonal, el gusto por las formas clásicas e incorporando elementos cultos como forma de unión entre la tradición española y el presente, creando ese estilo reconocible de inmediato. Conoce las más modernas estéticas europeas, pero afirma su propia personalidad.
La música de Joaquín Rodrigo representa un homenaje a las distintas culturas de España ya que se vale, como fuente de inspiración, de las más variadas manifestaciones del alma de su país, desde la historia de la España romana hasta los textos de los poetas contemporáneos. Ha enriquecido todos los géneros, pero quizás sea el compositor de nuestro siglo a quien más debe la estética del concierto. Ha cultivado especialmente la canción, a la que ha dado un lenguaje nuevo y universal, creando obras maestras como Cántico de la esposa o los Cuatro madrigales amatorios. Sus obras para piano solo bastarían para situarlo en primera línea, pero además su creación instrumental abarca importantes composiciones para violín, cello, y flauta. Hay que destacar además la aportación de Joaquín Rodrigo al repertorio para guitarra, que ha sido definitiva, pues ha logrado su dignificación e internacionalización como instrumento de concierto. Desde el año 1940 las distinciones, honores, homenajes y Festivales se han venido sucediendo ininterrumpidamente. Miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (1950) y de otras academias, así como Doctor Honoris Causa por diversas universidades de España y del Extranjero, recibió, entre otros galardones, la Gran Cruz de la Orden de Alfonso X el Sabio (1953), la Legión de Honor concedida por el Gobierno francés (1963), la Gran Cruz del Mérito Civil (1966) el Premio de la Fundación Guerrero (1990), y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1996).
En 1991 el Rey Juan Carlos I le otorgó el título nobiliario de Marqués de los Jardines de Aranjuez "por su extraordinaria contribución a la música española a la que ha aportado nuevos impulsos para una proyección universal". Joaquín Rodrigo falleció en Madrid el 6 de julio de 1999 rodeado de su familia.
Complete Orchestral Works . 2
Interprete: Ricardo Gallen, Entrequatre Guitar Quartet
Asturias Symphony Orchestra - Maximiano Valdés
Ricardo Gallén
1. Concierto de Aranjuez
2. Fantasia para un Gentil Hombre
Entrequatre Guitar Quartet
3. Concierto Andaluz
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MUSIC & BARRIOS... David Russell

2008-05-02T01:52:00.013-05:00

Datos Biográficos, Cortesía de guitarreando.iespana

David Russell, (Biografía Guidáctica); Agustín Barrios, nació el 5 de mayo de 1885 en el pequeño pueblo de San Juan Bautista de las Misiones, Paraguay. Miembro de una numerosa familia de 8 niños donde cada miembro de la familia tocaba por lo menos un instrumento. Recibió su educación primaria en un colegio Jesuita donde utilizaba su guitarra para el estudio de armonía. A la edad de 13 años fue descubierto por quien fue su primer profesor formal, Gustavo Sosa Escalada, un dedicado guitarrista y profesor del instrumento, quien estudio con Juan Alais. Sosa inicia al pequeño Agustín con los métodos de Sor y Aguado, y empieza a tocar piezas de Tárrega, Viñas, Arcas y Pargá. Este mismo año es reconocido como niño prodigio y recibe una beca al Colegio Nacional en Asunción, donde además de música, se destaca en matemáticas, periodismo y literatura. Barrios también estudia caligrafía y era un talentoso artista gráfico.

Barrios amaba la cultura, una vez dijo "Una persona no puede ser un guitarrista sin haberse bañado en la fuente de la cultura". Además de español, hablaba Guaraní, la lengua nativa de Paraguay. Entendía Francés, Inglés y Alemán, además que le interesaba la filosofía, poesía y teología. Musicalmente, era un gran improvisador, según varias historias se dice que muchas piezas las improvisaba de manera completamente espontánea, muchas veces en concierto. Su inusual creatividad le permitió componer más de 300 piezas para guitarra. Lamentablemente muchos de los manuscritos se han perdido. En su música podemos apreciar una gran creatividad e inspiración combinada con un gran conocimiento técnico de la capacidad armónica de la guitarra. Su conocimiento de la ciencia armónica permitió a Barrios de componer en varios estilos: barroco, clásico, romántico y descriptivo. La música de Barrios se caracteriza por ser de carácter folclórico, imitativo y religioso. Él compuso preludios, estudios, valses, mazurcas, tarantelas, romanzas, etc. y muchas piezas onomatopéyicas que describen objetos temas histórico culturales. Barrios también interpretaba gran cantidad de música popular, y una gran cantidad de sus composiciones se basan en cantos y danzas de toda América Latina como: cueca, chôro, estilo, maxixa, milonga, pericón, tango, zamba y zapateado.

Además de Paraguay, Barrios vivió en Argentina, Uruguay, Brasil, Venezuela, Costa Rica, y El Salvador. También dio conciertos continuamente en Chile, Méjico, Guatemala, Honduras, Panamá, Colombia, Cuba, Haití, República Dominicana y Trinidad. Barrios dio conciertos incesantemente desde 1906 hasta su muerte. En los años 1934-1936 viajó a Europa, tocando en Bélgica, Alemania, España y Inglaterra. Fue en un concierto en Bruselas que incluyó la primera trascripción y ejecución pública de la Suite para Laúd Nº 1 de Bach. El evento recibió muchas críticas.

En 1932 empezó a llamarse "Nitsuga Mangoré", el Paginini de la guitarra de las selvas del Paraguay. Nitsuga (Agustín escrito al revés) y Mangoré (Un legendario jefe Guaraní que peleó ante la conquista española). Barrios fue el primer guitarrista en grabar música para guitarra de forma comercial en discos de 78 r.p.m. Muchas de sus obras sólo sobreviven en estas grabaciones que datan de años anteriores a 1910 y otros cuantos entre 1912 y mediados de 1920. Barrios muere muy pobre un 7 de agosto de 1944 en Salvador.

Barrios y Segovia
En Junio de 1920 Barrios volvió de Brasil a Montevideo. En aquel tiempo, Segovia estaba también en Montevideo ofreciendo conciertos. Los dos guitarristas nunca se encontraron durante las cinco semanas que ambos estuvieron en Uruguay. Eso tendría que esperar hasta el año siguiente, en Buenos Aires. Es interesante comparar el repertorio de ambos guitarristas en aquella época. Ambos incluían sus propias transcripciones de los clásicos (Bach, Beethoven, Chopin). Segovia incluía numerosas piezas de Sor y Tárrega, también tocaba música de Granados y Albéniz. Eso representaba el repertorio "moderno" de la época (aún no había conocido a Ponce, Tórroba y Villa-Lobos, quienes escribirían música especialmente para él). Barrios, aparte de los clásicos tocaba música española del siglo XIX, de Arcas, Paraga, Broca y Tárrega; también música de Latinoamericanos (Albano, García Tolsa). La diferencia más notable es en el área de las composiciones originales. Las originales de Segovia eran solamente transcripciones de otros compositores. Barrios siempre incluía en su repertoria muchas de sus composiciones porque, como dijo, no había muchas obras escritas por otros que "lo inspiraran".

Finalmente en 1921, se encontraron en Buenos Aires. Fueron presentados por un amigo mutuo, luego de un concierto de Segovia. Un poco después, Barrios fue a visitar a Segovia en su residencia. Tocó la guitarra para el Maestro, quien se sintió muy complacido. Según Klinger, un biógrafo de Barrios: "Barrios tocó una cascada de gemas musicales para el gran Segovia quien estaba sorprendido... mejor aún: estaba atónito. Despúes de casi de dos horas el maestro lo felicita a Barrios. Había una pieza en particular que le gustó mucho y le indicó que la tocaría en sus conciertos. Barrios le regaló una copia original con una dedicación. Esta obra Segovia nunca la interpretó en un concierto. Lógicamente: si lo hubiera hecho, con las habilidades extraordinarias que poseía hubiera elevado a Barrios a una altura inaccesible, así perdiendo algo de su prestigio artístico." La obra con la que Segovia quedó encantado era La Catedral. En 1921, Segovia aún no estaba en la posición omnipotente que ocuparía en las décadas siguientes, es por eso que no aceptaba ninguna competición seria. Si hubiera sido sincero por lo menos hubiera programado en sus conciertos La Catedral y otras piezas, y también podría haberlo ayudado a arreglar conciertos en Europa y Estados Unidos. Muchos años más tarde, Barrios se daría cuenta que Segovia no era su amigo y diría sobre él que es "sordo en el corazón". Barrios reconocía la gran técnica de Segovia, pero no se consideraba inferior en ningún aspecto. Es más, se sentía orgulloso de algo que Segovia no tenía, su identidad de compositor, que requiere mucho más que la "mera" adquisición de virtuosismo físico.

La Catedral: una obra maestra
El 14 de Abril de 1921, Barrios dijo en una entrevista hecha por un periódico uruguayo: "Tanto como me lo ha permitido mi delicado estado de salud, he compuesto cinco obras para estos recitales. Considero al más importante, después del Vals de Primavera, de corte romántico, a La Catedral, que consiste de dos movimientos, un 'Andante Religioso' y un 'Allegro Solemne'."

Esta es la primera referencia a la que es indudablemente la obra más interpretado y oída de Barrios. Se inspiró por una una experiencia que tuvo al entrar a la Catedral de San José en Montevideo. El Andante con sus extensos acordes representa su impresión al escuchar un organista tocando Bach en la catedral. El Allegro representa su sensació al salir de aquella atmósfera espiritual y de paz, y vuelve a la calle, al mundo real, con las idas y venidas de la vida. Representa esto perfectamente con incesantes figuras de semicorcheas. El tercer movimiento, el Preludio Saudade, lo agregaría muchos años más tarde.

Biografía Completa

MUSIC & BARRIOS

Guitarra: David Russell

1. Sueño en la Floresta

2. Gavota Madrigal

3. Danzas Paraguayas 1,2,3

4. Julia Florida

5. Vals, Op. 8 No. 3

6. Vals de Primavera

7. Vals Tropical

8. Vals, Op8. No. 4

9. Las Abejas

10. Fabiniana

11. Mazurca Apasionata

12. País de Abanico

13. Cueca

14. La Catedral

15. A mi madre

16. Caazapá

17. Una limosnita por el amor de Dios

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EL MAESTRO... Hopkinson Smith

2008-04-10T23:29:00.010-05:00

Datos Biográficos, Cortesía de pereportaconcerts.com/

Hopkinson Smith nació en Nueva York en 1946. Empezó los estudios de guitarra durante su adolescencia y a los veinte años descubrió el laúd, en el que se inició de forma autodidacta. Posteriormente estudió musicología en la Universidad de Harvard, obteniendo su diploma con mención en 1972. En 1973 se traslada a Europa para consagrarse seriamente al estudio del laúd. Trabaja en Cataluña con Emilio Pujol, pedagogo consagrado en la tradición del siglo XIX, que le inculca el sentido de los grandes valores artísticos, y en Suiza con Eugène Dombois, con el que profundiza la feliz unión orgánica existente entre el músico, su instrumento y el contexto histórico. Desde mediados de los años sesenta, participa en diversos proyectos de conjunto, entre los que se encuentra la creación de Hesperion XX y colabora con Jordi Savall durante diez años. En los años ochenta se consagra, ante todo, a la música solista para instrumentos antiguos de cuerdas pulsadas.
En sus recitales, así como en una veintena de grabaciones como solista, continua redescubriendo y resucitando obras entre las más expresivas e intimistas de la música antigua. Su repertorio, muy extenso, contiene fantasías, variaciones y danzas del Renacimiento para vihuela y laúd (Milán, Narváez, Mudarra, de Rippe), tocatas que datan de principios del Barroco (Kapsberger), piezas muy refinadas compuestas para los lutistas franceses del siglo XVII (Densi Gaultier, Vieux Gaultier, Mouton, Dufaut, Gallot, de Visée), música española para guitarra a cinco coros, directamente inspirada de la tradición popular (Sanz) o de la música de la corte (Guerau) y, finalmente, un testimonio de la expansión del laúd en Europa Central durante el periodo del Alto Barroco, como instrumento solista (Sylvius Weiss), o en conciertos con acompañamiento de cuerdas (Fasch, Hagen, Haydn y Kohaut). La música de Bach es un tema recurrente en las realizaciones de Hopkinson Smith. Su grabación de las obras oficiales para laúd se completa por sus propias adaptaciones de Suites para violonchelo y Sonatas y Partitas para violín. Hopkinson ofrece recitales y clases maestras a través de toda Europa, así como América del Norte y del Sur. Vive en Bâle, en Suiza, donde enseña en la Schola Cantorum Basiliensis.
Notas al Cd; por Hopkinson Smith
En la floración de la música instrumental del s. XVI español, Luys Milán aparece como una figura enormemente original. Fue el primer vihuelista publicado y uno de los más antiguos compositores que nos hayan dado indicaciones particulares sobre la manera de interpretar su música. Estilísticamente, aparece más bien relacionarse con una época y una estética diferentes de las de Narváez y Mudarra, y sobre todo Fuenllany Daça, los principales compositores para vihuela que le siguieron. En la música de los vihuelistas posteriores se aprecia una tendencia al contrapunto construido según los ideales de la polifonía vocal, que transparenta un respeto casi religioso por la claridad en el desarrollo de las voces y por el modelado de las líneas individuales. A menudo, su música podría adaptarse al órgano o a un conjunto de violas. Milán, por el contrario, con su aparente indiferencia por las normas contrapuntísticas (aparecen quintas y octavas paralelas, en ocasiones), su pragmatismo en cuanto al número de voces y, sobre todo sus fantasías de consonancias y redobles, parece en comparación salvajemente intuitivo. En tales, ocasiones, se aproxima más a alguna tradición caballeresca anterior que a la profundidad casi eclesiástica y la retención de los vihuelista posteriores. Las fantasías de consonancias y redobles, con su ostentación a veces brutal de puro virtuosismo instrumental alternando con sus secciones polifónicas e interrupciones frecuentes, suministran un ejemplo de escritura para vihuela solista que es tan parecido al acompañamiento de los romances para voz y vihuela contenidos en el Maestro, que podríamos muy bien llamarlas fantasías de moros y cristianos, tal es el clima que emana de ellas.

Luys Milan - EL MAESTRO

Tome I. Música de vihuela de mano

Vihuela: Hopkinson Smith
1. Tonos 1 y 2

2. Tonos 3 y 4

3. Tonos 5 y 6

4. Tonos 7 y 8

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Temporalmente inhabilitada

VICENTE ASENCIO… Denis Azabagic

2008-03-30T08:41:00.007-05:00

Datos Biográficos, Cortesía de azabagic.com

Denis Azabagic, nace en Tuzla (Bosnia y Herzegovina) en Noviembre de 1972, considerado hoy día como uno de los mejor Guitarristas de su generación. Entre la élite del mundo guitarístico Denis Azabagic ha sido premiado en más de 20 concursos internacionales. En 1993, a la edad de 20 años, se convierte en el ganador más joven del prestigioso concurso "Jacinto e Inocencio Guerrero" en Madrid.

Anton Garcia Abril ,distinguido compositor español dijo en una entrevista para la revista Ritmo: "Estoy seguro que con el tiempo Denis azabagic se convertirá en uno de los mejores guitaristas del mundo."Después del éxito en Madrid, Denis, ganará premios practicamente en todos los concursos que participará. Aqui mencionamos algunos:
- 1er Premio en concurso internacional de guitarra IGF, Alemania
- 1er Premio en concurso internacional de guitarra "Rene Bartoli", France
- 1er Premio, premio del publico y premio a la mejor interpretacion de obra de Tarrega en el concurso internacional de guitarra "Francisco Tárrega", España
- 1er Premio en el concurso internacional de guitarra "Manufacturas Alhambra", España
- 1er Premio en el concurso internacional de guitarra Printemps de la Guitarre, Belgica
- 1er Premio en el concurso internacional de guitarra GFA, EEUU
- 1er Premio en el concurso internacional de guitarra Schadt Strings Competition, EEUU
- 1er Premio en el concurso internacional de guitarra Stotsenberg, EEUU.

Sus discos más recientes para las compañías discográficas Opera Tres y Naxos, han sido recibidos con gran entusiasmo en el mundo internacional de la música. Publicaciones tan importantes como American Record Guide, Classical Guitar, y Seicorde alavan su maestría técnica e increíble musicalidad. Denis tiene gravados seís discos compactos y un video cassete (Mel Bay 1999). Proyectos futuros incluyen videos instruccionales (Mel Bay) y un libro sobre sus experiencias en concursos. Los dos proyectos serán traducidos en varios idiomas.

Como solista Denis ha actuado en EEUU con Allentown Symphony, Savannah Symphony, Charlotte Symphony , y en Europa con Orchestre Royal de Chambre de Mons, Orquesta Sinfónica de Madrid, etc. Ha ofrecido recitales en series tan renombradas como Masters of the Guitar en Concertgebouw-Amsterdam, Radio France-Paris, El Palau-Valencia, Savannah on Stage- EEUU, Omni foundation-EEUU, Aix en Provence-Francia. Con la flautísta Eugenia Moliner ha establecido Cavatina Dúo como uno de los duos más impresionantes de flauta y guitarra que éxisten actualmente. Su interpretación de Piazzolla es calificada de espectacular por las revistas especializadas. "La musicalidad de Eugenia Moliner, flauta y Denis Azabagic, guitarra, no es el resultado de ensayos laboriosos . Estos dos musicos sienten el arte con profundidad y parecen ser uno cuando tocan" (American Record Guide). Denis Azabagic ha sido nombrado profesor en el "Chicago College of Performing Arts" en la Universidad de Roosvelt.

VICENTE ASENCIO,

Obras completas para Guitarra Sola

Guitarra: Denis Azabagic
1. Suite Valenciana

2. Suite mística

3. Danza valenciana

4. Cançó d´hivern

5. Suite de homenajes

6. Col.lectici íntim
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VILLA-LOBOS... Alvaro Pierri

2008-03-19T08:29:00.015-05:00

Datos Biográficos, Cortesía de alvaropierri.com

Alvaro Pierri nació en Montevideo, Uruguay, en una familia de músicos. Comenzó sus estudios de piano con su madre, Ada Estades, y los de guitarra con su tía, Olga Pierri a la edad de cinco años. Más tarde estudió con Abel Carlevaro, con el compositor Guido Santorsola y en el Instituto Nacional de Musicología de la Universidad del Uruguay.

Dotado de un talento excepcional, desde temprano recibe numerosos premios y recompensas, entre ellos los primeros premios del Concurso Internacional de Guitarra de Buenos Aires, de Porto Alegre, Brasil, y la Medalla de Oro del XVIII Concurso Internacional de Guitarra de París. En la ocasión de su debut en Nueva York, tras la aclamación del público la critica lo comparó "....á los mas grandes maestros tales como Segovia, Bream y Williams...." . Fué igualmente ovacionado en su debut en Alemania con los Solistas de la Filarmonica de Berlín. Desde entonces las radios y televisiones alemana, francesa, canadiense, japonesa y americana le han consagrado numerosos programas en solo o con artistas como Astor Piazzolla, Frank Peter Zimmermann, Charles Dutoit y grandes orquestas como las de Montreal y París. Alvaro Pierri recorre Europa, America del Norte y del Sur, así como Japon, Corea y China. Muy activo en la musica contemporanea, ha estrenado obras de Leo Brouwer, Guido Santorsola, Jacques Hétu, Abel Carlevaro, Terry Riley y Carlo Domeniconi, entre otros, la mayor parte de las cuales le han sido dedicadas. Ha compartido el escenário con músicos tales como Maureen Forrester, Regis Pasquier, Philippe Müller, Frank Peter Zimmermann Hatto Beyerle, Ernö Sebestyen, Astor Piazzolla, Leo Brouwer, Eduardo Fernandez, directores como Charles Dutoit, Yannick Nezet-Séguin, Mario Bernardi, Wojciech Rajski, Pinchas Steinberg, y cuartetos como el Cherubini, Alcan, Turtle Island String Quartet, entre otros.

Sus grabaciones han sido editadas por los sellos Métropole - Polydor (Francia), Blue Angel (Alemania), Milan Records y Analekta (Canada) con un gran exito de público y crítica, y galardonada dos veces con el premio FELIX de Canada, por el mejor CD clásico del año. Recientemente Universal ha reeditado un DVD con Astor Piazzolla - Alvaro Pierri y la Koln Philharmonic, y Pioneer Classics de Japon ha editado un DVD de un "Recital Alvaro Pierri" con música Espanola y Sudamericana.

Como pedagogo internacionalmente aclamado ha enseñado en la "Universidad Federal de Santa Maria" en Brasil, en la "McGill University" en Montreal, Canada, y en la "Université du Québec à Montréa". Muchos de sus alumnos han obtenido primeros premios en numerosos concursos internacionales. En 2002 fue nombrado Profesor Titular de la Cátedra de Guitarra de la prestigiosa Academia de Viena, la "Universität für Musik und darstellende Kunst Wien".

Alvaro Pierri da regularmente masterclasses en festivales como New York Manhattan Masters, los festivales de la Guitar Foundation of America, los internacionales de París y Bordeaux, São Paulo, Montevideo, Orford, Montreal, Kopenhagen, Viena, Berlin, Mozarteum de Salzburgo, LIGITA Liechtenstein, Roma, Amsterdam, Helsinki, Hong Kong, Tokyo, Osaka, etc.

VILLA-LOBOS (Selección)

Guitarra: Alvaro Pierri
Etude No. 1

Etude No. 2

Etude No. 3

Etude No. 4

Etude No. 5

Etude No. 6

Etude No. 7

Etude No. 8

Etude No. 9

Etude No. 10

Etude No. 11

Etude No. 12

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